Bem-vindos ao Dicas de Dança

Bem-vindos ao Dicas de Dança

Para todos os amantes e admiradores da Dança em geral, o Dicas de Dança volta totalmente reformulado.

Com muitas dicas, vídeos, informações incríveis para os estudantes da arte, fotos, eventos, aulas, workshops, entretenimento e muito mais.

Mas a grande novidade é que o Dicas de Dança vai ser um canal direto para você se informar e se ligar com o mundo dos musicais em NYC. A Broadway estará pertinho de você em apenas um click.

Aqui vamos disponibilizar serviços para suas idas a passeio e a estudos em NY. Roteiros personalizados, serviços com brasileiros na cidade que nunca dorme, translado, receptivos, segredinhos que somente americanos ou quem já morou lá podem te contar , tudo para facilitar sua estadia na cidade e claro economizar muito tempo e dinheiro.

Diariamente posts de assuntos variados, curiosidades e informações!

Dicas de DançaNY BR – voltou!!!!! Que felicidade!!!! 🙂

Ballet de Repertório – A Bela Adormecida

Ballet de Repertório – A Bela Adormecida

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A BELA ADORMECIDA

Coreografia: Marius Petipa

Música: Peter Ilych Tchaikovsky

Estréia mundial: 1890, em São Petersburgo, Rússia.

Nasceu a princesa Aurora, filha do casal Real de um reino muito feliz e rico.

Em sua festa de batizado, as seis fadas do bem trazem para a pequena princesa

presentes e bençãos. Mas a fada do mal, Carabosse, não foi convidada, e aparece na festa para expressar sua indignação com tal desfeita. Mesmo depois do pedido de desculpas do Rei e da Rainha, Carabosse lança sobre a princesa um feitiço: quando ela completasse 15 anos, espetaria seu dedo em um fuso e morreria. A Fada Lilás, principal protetora de Aurora, acalma a todos dizendo que não tem poderes para desfazer o feitiço, mas que poderia amenizá-lo. Assim, Aurora não morreria, mas cairia em um sono profundo até que fosse despertada com o beijo de um príncipe. E assim, a princesa cresce cercada de cuidados de seus pais, mantida longe de qualquer objeto que pudesse ser pontiagudo. Na festa de seus 15 anos, seus pais lhe prepararam uma grande festa, e convidaram novamente todos os habitantes do reino, com exceção de Carabosse, que havia sido mandada embora do reino. De repente, uma velha entra no salão e dá um presente para Aurora: um fuso. Na mesma hora Aurora, intrigada com o objeto que nunca viu, espeta o dedo e desfalece. A velha tira seu disfarce e mostra quem é realmente: Carabosse, disfarçada. Então, a fada Lilás espalha um encanto por todo o reino, fazendo com que todos adormecessem junto com Aurora. 100 anos se passam, e no reino vizinho, um jovem príncipe sonha com a Fada Lilás e a bela princesa adormecida. Guiado pela fada, o príncipe enfrenta todos os desafios colocados no caminho por Carabosse, e depois de muito lutar chega ao castelo. Lá está Aurora, dormindo ainda mais linda que no dia que espetou seu dedo no fuso. O príncipe percebe que ela é o grande amor que ele estava buscando há muito tempo, e a beija. A princesa desperta do sono profundo e, como num passe de mágica, todos os convidados e habitantes do castelo também acordam, os jardins voltam a ser vivos como antes, tudo se desperta como se nada tivesse acontecido. Aurora também vê no príncipe o seu grande amor, e uma grande festa de casamento é celebrada, e a Fada Lilás convida para as festas os habitantes fantásticos de outros reinos, como Chapeuzinho Vermelho e o Lobo-Mau, Cinderela e seu príncipe, o Gato de Botas e outros. Muita alegria e comemorações se seguem então.

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A Bela Adormecida, sem dúvida, foi a grande obra que marcou o apogeu da Rússia dos Czares, além de ser o grande sucesso de Tchaikovsky em vida (O Lago dos Cisnes parece ter superado A Bela Adormecida em sucesso, mas isso aconteceu somente depois da morte do compositor). A ambientação da obra, em castelos reais, com personagens grandiosos e fantásticos, marca a força da Rússia na época. A produção da obra foi feita em conjunto pelo coreógrafo, figurinista e o compositor, por isso o resultado é uma integração tão perfeita entre os três elementos. São características especiais da obra as variações muito ricas em técnica, especialmente a da Fada Lilás, que Petipa construiu para sua filha, Marie Mariusovna Petipa. Outra curiosidade é que a fada do mal, Carabosse, costuma ser apresentada por um homem, provavelmente para ficar mais grosseira e pesada. A grandeza da obra fez com que três dos seus Grand Pas-de-Deux se tornassem independentes, sendo apresentados por grandes bailarinos de todo o mundo em espetáculos de gala, sem o resto do ballet.

 

 

NYC – A origem do Tony Awards

NYC – A origem do Tony Awards

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Antoinette Perry 

O Original “Tony”

O Tony Award da American Theater Wing começou em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência do teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, o Tony Award fez sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e houve oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patricia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Aos 15 anos, ela se juntou à companhia de turismo de seu tio George Wessells. “Eu assisti e aprendi. Eu fiz tudo, desde ajudar no guarda-roupa até a venda de bilhetes. Eu era pequena e loira e logo estava me jogando em melodramas e farsas. Finalmente, tio George me treinou, principalmente nos papéis masculinos shakespearianos.”

Ela deixou a empresa Wessels em 1905 em Chicago, onde ela fez o teste para a parte que a trouxe para Nova York. Foi lançada quase imediatamente para juntar-se ao mestre da música, um melodrama sobre um maestro vienense na América que procurara por sua filha. Perry desempenhou o papel feminino principal em frente David Warfield, um dos atores mais populares do teatro.

Warfield tinha grande admiração por Miss Perry e eles se tornaram amigos. Ele foi associado com o empresário David Belasco e organizado para Miss Perry para audição para ele. Em outubro de 1907, Miss Perry foi escolhida como líder de Warfield em Belacso, A Grand Army Man, em seu novo Teatro Styvestant (agora Belasco).

Logo, outro homem estava na vida de Antoinette Perry. Frank Frueauff, um velho namorado de casa que fundiu a Denver Gas and Electric, do qual era vice-presidente, com o Serviço de Cidades (agora CITGO). Eles ficaram loucamente apaixonados e, no auge de sua carreira de atriz de Nova York, Miss Perry casou-se com Frueauff.

Em 1920, abordado por Brock Pemberton, um agente de imprensa extravagante virou produtora, Miss Perry, sem o conhecimento de Frueauff, tornou-se um “anjo” na produção de Pemberton da comédia da Zona Gale, Miss Lulu Bett. Ele passou a ganhar o Prêmio Pulitzer e se tornar um grande sucesso. Logo Miss Perry era o parceiro silencioso de Pemberton. Quando seu marido descobriu que sua esposa investiu no teatro e tinha feito isso, deu suas bênçãos. Então, em 1922, ele morreu de um ataque cardíaco. Ele deixou uma propriedade de US $ 13 milhões.

“Mãe generosamente emprestou o dinheiro”, filha Margaret Perry, 89 e uma atriz que há muito tempo desistiu de teatro, disse a partir de sua fazenda selvagem no Colorado”. Ela apreciou a vida extravagante. De 1923, ela nos levou, nossa governanta, o tio Brock, como fomos instruídos a chamá-lo, e sua esposa Margaret, e dez outros para a Europa por sete semanas.

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Nasce um diretor

Ela entrou em uma grande depressão e se tornou um ávido leitor. Inspirada pela atriz / dramaturga Rachel Crothers, que dirigiu suas próprias peças, Perry decidiu que queria dirigir. Sua riqueza, que ela dobrou jogando no mercado de ações, e seu relacionamento com Pemberton foram sua entrada. Juntaram forças, tanto profissionalmente quanto romanticamente, e tiveram sucessos modestos. Em 1929, eles atingiram fama com Strictly Dishonorable Preston Sturges, um jogo cínico sobre a virtude e proibição. Um crítico elogiou Perry “por fazer o trabalho de um homem” como diretor. Scalpers tem US$ 30 um bilhete. Os direitos de filmes foram vendidos. Eles estavam a caminho da rua fácil.

Um mês depois, o mercado de ações caiu.

“Mãe despertou dois milhões de dólares em dívidas”, lembrou Margaret. “Levou sete anos para se recuperar.” De alguma forma, provavelmente por causa do sucesso de Strictly Dishonorable, ela conseguiu um empréstimo de dois milhões de dólares. ”

Perry e Pemberton compartilhavam um escritório íntimo em um teatro (era ao lado do Imperial, onde há um estacionamento hoje), e almoçavam diariamente em Sardi, onde abasteciam muitas fofocas teatrais. No entanto, no final do seu dia útil, ela iria para casa para seus filhos e ele para sua esposa.

 

Antoinette Perry: filantrópica

Apesar de suas credenciais teatrais, Perry é melhor lembrada por sua generosidade e liderança na Segunda Guerra Mundial como uma co-fundadora da Ala de Teatro Aliado Alívio, posteriormente, o American Theater Wing.

A Ala operou a famosa “Stage Door Canteen” no porão do (agora arrasado) 44th Street Theatre, onde as estrelas trabalhavam como máquinas de lavar louça, garçons, garçonetes e animadores para as forças armadas. A venda de direitos de filme para uma história sobre a cantina, e um teste de seis dígitos de Perry, juntamente com o apoio de Rodgers e Hammerstein, desde USO passeios de shows para tropas no exterior.

Margaret confessou que sua mãe era uma jogadora inveterada. Perry também foi presidente do Teatro Experimental Nacional e financiou, com Actors Equity e Guild Dramatists, o trabalho de novos dramaturgos. Durante e depois da guerra, ela subscreveu audições para 7.000 esperançosos. Seu sonho de uma escola de ator nacional foi realizado em 1946.

“A mãe desenvolveu problemas cardíacos”, explicou Margaret, “mas, como cristã devotada, ela se recusou a consultar um médico, e seus deveres de diretora e dedicação ao trabalho da Ala tiveram um preço terrível”. Por agora, por causa de seus enormes sucessos, Pemberton era um membro da sociedade do café e, por causa da sociedade do seu irmão na mesa redonda de Algonquin, nos melhores termos com sociedade literária. “Mas,” observou Margaret, “de onde quer que ele estivesse, chamava Mãe todas as noites. Muitas vezes seus telefonemas eram a única coisa que aliviava sua intensa dor física.”

NYC – A história do TONY AWARDS

NYC – A história do TONY AWARDS

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Um prêmio pela excelência

Os Tony Awards do American Theater Wing começaram em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência no teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, os Tony Awards fizeram sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante Eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patrícia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Diane Carroll, Robert Morse, Margaret Leighton e Paul Scofield foram os vencedores no 1962 Tony Awards.

Os primeiros anos

A comunidade da Broadway abraçou o Tony desde o início. A cerimônia de premiação em seus primeiros anos foi menor do que é hoje, o jantar de gala anual rapidamente se tornou um dos destaques da temporada de teatro de Nova York. Mais de 1.000 pessoas participaram do primeiro jantar Tony em 1947.

Nos 18 anos que se seguiram, as apresentações de jantar e prêmios Tony ocorreram em salões de festas de hotéis como Plaza, Waldorf Astoria e Astor. A WOR e a Rede Mutual transmitiram as cerimônias de premiação pelo rádio, e a cobertura televisiva começou em 1956, quando o Canal 5 do Du Mont os transmitiu pela primeira vez localmente.

O entretenimento foi fornecido por tais favoritos da Broadway e talentosos então recém-chegados como Katherine Cornell, Guthrie McClintic, Ralph Bellamy, Joan Crawford, Alfred de Liagre, Jr., Gilbert Miller, Shirley Booth, Carol Channing, Joan Fontaine, Paul Newman, Anne Bancroft, Sidney Poitier, Fredric March, Robert Goulet, Gig Young, Anna Maria Alberghetti, Henry Fonda e muitos outros.

Apesar da morte prematura de Helen Menken, então presidente da Wing, os Tony Awards de 1966 foram apresentados no Rainbow Room. A cerimônia foi subjugada e, pela primeira e única vez, realizada à tarde sem entretenimento. No ano seguinte, a cerimônia de Tony foi mais uma vez um caso de gala, mas com uma diferença fundamental. Com Isabelle Stevenson como seu novo presidente, a Ala convidou a Broadway League – então conhecida como a Liga dos Teatros de Nova York – para co-apresentar o Tonys em 1967, apenas a tempo para a cerimônia de transmissão inaugural na rede de televisão. Pela primeira vez, um público nacional poderia assistir à apresentação dos Tony Awards.

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Julie Andrews

A era da televisão 

Alexander H. Cohen produziu a transmissão histórica, que durou apenas uma hora, e organizou uma gala de comemoração que se seguiu imediatamente depois.

Naquele ano, os Tonys mudaram-se de seu tradicional salão de baile do hotel para um teatro da Broadway – o Shubert. Cohen continuou a produzir a cerimônia de premiação e o jantar de gala para as próximas duas décadas, supervisionando sua transmissão nacional em várias redes em nome da Liga e da Ala. Durante seu mandato, o Tony tornou-se conhecido como o melhor programa de prêmios na televisão, incorporando performances ao vivo com a concessão de prêmios reais. A era de Cohen terminou em 1987, e esse ano a WING e a liga criaram as produções do prêmio de Tony, uma empresa comum que continuasse a produzir os prêmios e seus eventos relacionados a este dia.

CBS começou a levar a cerimônia de premiação em 1978, e tem transmitido o Tony nacionalmente a cada ano desde então. Por seis anos, começando com a 51ª apresentação anual de prêmios em 1997, o programa de Prêmios Tony foi exibido sob uma parceria única entre a CBS e a PBS.

Um especial de uma hora PBS cobriu 10 prêmios, seguido imediatamente pela transmissão CBS. No entanto, a partir de 2003, a CBS dedicou um tempo inteiro de três horas para o Tony. O resultado foi um prêmio sem costura e programa de entretenimento transmitido naquela rede. O programa Tony recebeu vários prêmios Emmy durante a era da CBS, e é transmitido em junho em muitos países do mundo.

Os Tonys comemoraram um marco em 1997, quando a cerimônia de premiação se afastou da Broadway pela primeira vez em três décadas. Para todos menos um dos anos entre 1997 e 2010, a noite de Tony ocorreu em junho no Radio City Music Hall de Nova York. Desde 2011, a cerimônia tem sido realizada tanto na Radio City ou no Beacon Theatre, no Upper West Side de Manhattan.

Em 2000, a IBM se juntou com o Tony para lançar TonyAwards.com, um site que imediatamente se tornou o recurso definitivo para obter informações sobre os prêmios. O site serve como uma casa durante todo o ano para o Tony na Internet, e ancora uma presença de mídia social on-line que inclui Facebook, Twitter, Instagram, YouTube, Snapchat e outras plataformas.

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O Medalhão

Durante os dois primeiros anos do Tony (1947 e 1948), não houve um Tony Award oficial. Os vencedores foram apresentados com um pergaminho e, além disso, recebiam presentes.

Em 1949, o sindicato de designers, United Scenic Artists, patrocinou um concurso para um modelo adequado para o prêmio. A peça vencedora, um medalhão em forma de disco desenhado por Herman Rosse, retratou as máscaras de comédia e tragédia de um lado e o perfil de Antoinette Perry do outro. O medalhão foi iniciado naquele ano no terceiro jantar anual. E continua a ser o Tony Award oficial.

Desde 1967 o medalhão foi montado em um pedestal preto com uma armadura curvada. Após a cerimônia, cada prêmio é numerado para fins de rastreamento e gravado com o nome do vencedor.

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

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TAP DANCE É VIDA! TAP DANCE É PRA TODOS!

Tap Dance é um estilo divertido de dança que qualquer pessoa pode aprender, independentemente da experiência anterior em dança. Sapateado é benéfico de muitas maneiras. Incluem o aumento cardiovascular condicionado, força, flexibilidade e coordenação. O Tap Dance fortalece pernas e pés, além de aumentar a flexibilidade nos quadris, joelhos e tornozelos. Habilidades cognitivas são também reforçadas, como tap dancers deve desenvolver tanto a memória mental quanto a muscular.

Sapateado também desenvolve um grande senso de ritmo, de tempo, agilidade e concentração. Podemos sapatear em muitos ritmos, usando de músicas clássicas até as mais atuais. Ou ás vezes nem precisamos da música, com nosso instrumento nos pés criamos nossa própria melodia.

E além de tudo isso… Diversão na certa!

 

HISTÓRIA DO TAP DANCE

Muito se fala sobre a história do sapateado, mas sua origem causa alguns desencontros, justamente por parecer ter originado de vários lugares.

A hipótese mais provável nos leva ao século V – e que foi na Irlanda, onde os camponeses que usavam sapatos com solado de madeira para aquecer os pés, começaram a brincar com os sons que esse sapato fazia. Criavam diversos ritmos, originando uma dança conhecida como Irish Jig. O Irish Jig exigia de seus dançarinos um rápido e complexo trabalho dos pés, com o braço próximo ao tronco.

Séculos mais tarde, na Inglaterra, durante a Revolução Industrial, os operários usavam sapatos de madeira. Nos intervalos do trabalho, estes operários desafiavam uns aos outros com os sons produzidos pelo sapato, criando uma nova dança chamada de Lancashire Clog. Mais tarde estes tamancos foram substituídos por solados de couro com moedas de cobre fixadas na sola, para conseguir ganhar e impressionar mais no desafio produzindo maior som. Outra influência também muito forte veio das danças africanas, que eram feitas pelos escravos em suas poucas horas de lazer. Alguns senhores feudais admiravam essas danças que uniam o trabalho dos pés escravos para seu próprio entretenimento.

Em 1882, um artista menestrel chamado Thomas acresentou solas metálicas nos sapatos para produzir som de percussão aos seus movimentos rítmicos. Outros artistas gostaram da ideia e seguiram o exemplo. O Tap Dance espalhou-se rapidamente através de shows de vaudeville, mas ainda permaneceu como uma dança cômica de entretenimento.

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No início do século 20, o tap dancer negro Bill “Bojangles” Robinson deu um passo progressivo e marcante na tentativa de sair em turnê se mantendo como um artista solo. Esta foi uma jogada arriscada e rara, pq os afro-americanos não eram autorizadas a estar no palco junto com artistas brancos. Em resposta a esta barreira, Robinson consistentemente se apresentava como um servo no palco, então ele não estava realmente quebrando o protocolo.

As leis de proibição levaram ao desenvolvimento de clandestinos, onde afro-americanos poderiam encontrar emprego como dançarinos de tap dance, apresentando para públicos embriagados que eram predominantemente brancos. Mais pra frente Hollywood começou a fazer musicais para ajudar a nação com as dificuldades da guerra. Para fazer com que os musicais ficassem mais divertidos, o uso de acrobatas foram adicionados ao gênero para torn-a-lo mais ativo. Dançarinos começaram a incorporar coreografia sincronizada em seus atos e também para adicionar ao entretenimento um visual atraente. Esta combinação de elementos é o que à luz a forma mais moderna de tap dance, ou o Tap Dance Broadway.

Nos EUA, o Sapateado se deu pelos negros americanos, que se desafiavam com a dança acompanhada por ritmos sofisticados, com muitos movimentos de corpo e não apenas o trabalho dos pés, era uma dança exclusivamente masculina.

Entre os anos de 1909 e 1920, vários estilos musicais e de dança foram criados nos EUA, como o “FOX TROT” e o “TUKEY TROT” e com a chegada dos africanos e europeus na América do Norte, essa fusão de informações se uniu ao estilo musical americano que estava em alta, então começaram a surgir os sapatos com chapinhas de metal nas solas e a dança chamada então de SAPATEADO.

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O Sapateado Americano se consolidou realmente no início da década de 20, quando foi criado o espetáculo “Shuffle Along”, onde 16 bailarinas executavam a mesma coreografia dando origem ao chamado “Chorus Line” e revolucionando os palcos da Broadway.

Desde então, até meados dos anos 40, o sapateado proliferou como uma febre nos EUA, embora mas décadas de 50 e 60, tenha sumido do cenário cultural americano, devido à Segunda Guerra Mundial.

Na década de 70, o sapateado teve seu grande retorno aos palcos conquistando, anos mais tarde as telas do cinema, dando origem a era dos grandes musicais e tendo como protagonistas os grandes mestres: Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, Ann Muller, entre outros.

ESPECIAL – NYC: New York City e Como surgiu a famosa área chamada “Theatre District”

ESPECIAL – NYC: New York City e Como surgiu a famosa área chamada “Theatre District”

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A cidade de New York, chamada frequentemente New York City ou simplesmente New York, é a cidade a mais populosa nos Estados Unidos. Com uma população estimada em 2015 de 8.550.405 distribuídos em uma área terrestre de cerca de 782 km2, a cidade de Nova York é também a cidade mais densamente povoada dos Estados Unidos. Localizada na ponta sul do estado de Nova York, a cidade é o centro da área metropolitana de Nova York, uma das aglomerações urbanas mais populosas do mundo. Uma cidade de poder global, New York City exerce um impacto significativo sobre comércio, finanças, mídia, arte, moda, pesquisa, tecnologia, educação e entretenimento, o seu ritmo rápido da cidade que nunca dorme.  Nova York é um centro importante para a diplomacia internacional e foi descrita como a capital cultural e financeira do mundo.

Situado em um dos portos naturais os maiores do mundo, a cidade de New York consiste em cinco distritos, cada qual é um condado separado do estado de New York. Os cinco distritos – Brooklyn, Queens, Manhattan, Bronx e State Island – foram consolidados em uma única cidade em 1898. A cidade e sua área metropolitana constituem a principal porta de entrada para a imigração legal para os Estados Unidos, e até 800 línguas são faladas em Nova York, tornando-o a cidade mais linguisticamente diversificada do mundo. Nova York é o lar de mais de 3,2 milhões de residentes nascidos fora dos Estados Unidos, a maior população estrangeira do mundo de qualquer cidade. Em 2015 estima-se que a região metropolitana de Nova York permaneça por uma margem significativa a mais populosa dos Estados Unidos, definida pela Área Metropolitana de Estatística (MSA), 20,2 milhões de habitantes e a Área Estatística Combinada (CSA), 23,7 milhões de habitantes.

New York City traça sua origem em 1624 que funda em Lower Manhattan negociado por colonistas da república holandesa e foi nomeada New Amsterdam em 1626.  A cidade e seus arredores ficaram sob controle inglês em 1664 e foram renomeados de Nova York depois que o rei Carlos II da Inglaterra concedeu as terras a seu irmão, o duque de York. Nova York serviu como a capital dos Estados Unidos de 1785 até 1790.  Tem sido a maior cidade do país desde 1790. A estátua da liberdade cumprimentou milhões de imigrantes que vieram para as Américas por navio no final do século XIX e início do século XX e é um símbolo dos Estados Unidos e sua democracia. No século XXI, Nova York surgiu como um nó global de criatividade e empreendedorismo, tolerância social,  e sustentabilidade ambiental.

Muitos distritos e marcos em New York City tornaram-se well-known, e a cidade recebeu um registro de quase 60 milhão turistas em 2015, que hospeda três das atrações turísticas as mais visitadas do mundo em 2013. Várias fontes classificaram Nova York como a cidade mais fotografada do mundo.

A Times Square, emblemático como “coração” do mundo e seu “Crossroads”, é o centro brilhantemente iluminado da Broadway Theatre District, uma das intersecções de pedestres mais movimentadas do mundo, e um centro principal da indústria do entretenimento do mundo.  Os nomes de muitas das pontes da cidade, arranha-céus cônicos, e parques são conhecidos em todo o mundo. Ancorado por Wall Street no Distrito Financeiro do Lower Manhattan, a cidade de Nova York tem sido chamada tanto a cidade economicamente mais poderosa como o principal centro financeiro do mundo.

Para as duas maiores bolsas mundiais por capitalização de mercado total, a Bolsa de Valores de Nova York e NASDAQ. O mercado imobiliário de Manhattan está entre os mais caros do mundo. O Chinatown de Manhattan incorpora a concentração a mais elevada de povos chineses no hemisfério ocidental.

Fornecer o serviço 24/7 contínuo, o metro de New York City é um dos sistemas  mais extensivos do metro no mundo inteiro, com 472 estações em operação.  Mais de 120 faculdades e universidades estão localizadas em Nova York, incluindo a Universidade de Columbia, a Universidade de Nova York e a Universidade de Rockefeller, que foram classificadas entre as 35 melhores no mundo.

“THEATRE DISTRICT”

Não podemos deixar de falar um pouco sobre o “Theatre District”.

O Theatre District de New York City (às vezes soletrado Theatre District, e oficialmente como o “Theatre Subdistrict”) é uma área em Midtown Manhattan onde a maioria dos teatros da Broadway estão localizados, bem como muitos outros teatros, cinemas, restaurantes, hotéis , E outros locais de entretenimento. Estende-se de West 40th Street para West 54th Street, e da Sexta Avenida para a Oitava Avenida, e inclui Times Square.

Origens e história

O Theatre District começou a atrair teatros e restaurantes para o bairro depois que a Metropolitan Opera House se mudou para West 39th Street e Broadway em 1883.

Ao longo dos anos, desde então, o distrito foi referido pelos nova-iorquinos como “The Rialto”, como “The Main Stem”, e como “Broadway”, e na virada do século 20, foi simplesmente chamado de “The Street”.

Na década de 1970, a área da 42nd Street, no distrito, tinha se tornado bastante degradada – com a abertura de um número de casas de cinema X-rated, shows de peep, e as chamadas casas de grind operando lá – e até mesmo era considerado um lugar bastante perigoso para se aventurar para a maioria dos nova-iorquinos. Toda a área foi mais tarde revitalizada pela cidade nos anos 90, no entanto, com o fechamento da maioria desses negócios e com uma série de novos negócios.

Na Primavera de 1982, Joseph Papp, produtor teatral da Broadway e diretor que havia estabelecido o The Public Theatre, liderou uma campanha chamada “Save The Theaters” em Manhattan. O principal objetivo inicial do esforço “Save The Theaters”, patrocinado pelo grupo sem fins lucrativos da Papp e apoiado pelo sindicato Actors Equity, era salvar vários prédios teatrais no bairro do Theatre District de sua iminente demolição por Manhattan. Papp forneceu recursos financeiros, botons de campanha, cartazes e anúncios de jornal; recrutou um publicitário e atores para promover a causa; e forneceu vários estádios e locais de rua para eventos públicos em apoio à campanha para salvar os teatros históricos.

A pedido de Papp, em julho de 1982, o congressista americano Donald J. Mitchell, de Nova York, e 13 co-patrocinadores,  apresentaram um projeto de lei no 97º Congresso (1981-82), intitulado “HR6885, Broadway / Times Square Theatre District na cidade de Nova York como um local histórico nacional.  A legislação proposta, que não foi aprovada, teria exigido que o Governo Federal ajudasse financeiramente e de outra forma a preservar o distrito e suas casas históricas de teatro como um Local Histórico Nacional oficial.

A campanha Save the Theatres voltou seus esforços para apoiar o estabelecimento do Theatre District como um distrito histórico da cidade de Nova York registrado. Em dezembro de 1983, Save The Theaters preparou “The Broadway Theatre District, Preservation Development and Management Plan”, e exigiu que cada teatro no distrito fosse restaurado O prefeito Koch finalmente respondeu criando um Conselho Consultivo de Teatro, que incluiu Papp como um membro, e que eventualmente levou à área sendo oficialmente chamado como o “Subdistrito de Teatro”

Theatre Subdistrict

Giuliani, em janeiro de 2001, confirmou parcialmente a expansão de 1998 dos regulamentos de zoneamento do Subdistrito de Teatro, que adicionou locais de recepção ao longo da Oitava Avenida onde o desenvolvimento Direitos dos teatros de Broadway poderiam ser vendidos. Organizações comunitárias e cívicas opuseram-se à expansão do distrito, pois iria prejudicar o bairro residencial Clinton / Hell’s Kitchen. A objeção da corte, arquivada em 1999, não desafiou o próprio Subdistrito de Teatro pré-existente ou a legislação original de zoneamento de direitos de desenvolvimento.

New York City também criou o “Theatre Subdistrict Council”, LDC (“TSC”), uma corporação sem fins lucrativos, de acordo com o regulamento de zoneamento de 1998.  O TSC administra o Theatre Subdistrict Fund e atribui subsídios.

A Resolução de Zoneamento de New York para distritos de propósito especial, conforme emendada em 30 de abril de 2012, contém regulamentos especiais para o Subdistrito de Teatro, incluindo a transferência de direitos de desenvolvimento, incentivos para a reabilitação de teatros existentes, a criação de um conselho de teatro para promover Teatros e zoneamento e sinalização para teatros e contém uma lista de teatros que se qualificam para disposições especiais nos regulamentos.

A Cidade de Nova York define o subdistrito para fins de zoneamento para se estender da 40th Street até a 57th Street e da Sexta Avenida para a Oitava Avenida, com uma área adicional a oeste da Oitava Avenida da 42nd Street para a 45th Street. A Times Square Alliance, uma organização do Distrito de Melhoramento Empresarial dedicada a melhorar o distrito de teatros, define o distrito como uma área de forma irregular dentro da caixa delimitadora da 40th Street, 6th Ave, 53rd Street e 9th Ave.

Outras áreas de teatro nas proximidades

A área conhecida como Theatre Row é uma área na 42nd Street da Nona Avenida até a Décima primeira Avenida, que inclui muitos teatros Off-Broadway e Off-Off-Broadway.

A Saúde do Bailarino – Exercício Aeróbico Vs. Exercício Anaeróbico

A Saúde do Bailarino – Exercício Aeróbico Vs. Exercício Anaeróbico

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Junte-se a nós para se aventurar no mundo do fitness para encontrar o vencedor do concurso entre exercícios aeróbicos e anaeróbicos. Com ambos tem suas próprias vantagens e desvantagens, é necessário compará-las para descobrir qual exercício seria o ideal para você.

O ponto mais importante quando se trata de exercícios aeróbicos e anaeróbicos é que, no primeiro a energia é produzida com a ajuda de oxigénio, e em que este último é produzido sem a utilização de oxigénio. Isto, na verdade, trabalha com o conceito semelhante para a respiração aeróbia e anaeróbia – em que a respiração aeróbia tem lugar na presença de oxigénio, enquanto que a respiração anaeróbica ocorre na ausência de oxigénio.

Exercícios aeróbicos são os exercícios onde o oxigênio é utilizado para produzir energia, a fim de alimentar o corpo para a atividade prolongada. Estes exercícios são realizados em intensidade moderada por mais tempo. Eles tendem a melhorar o consumo geral de oxigénio do corpo e, simultaneamente, aumentar o metabolismo do corpo. Estes exercícios incluem corrida de longa distância, ciclismo, etc

Exercícios anaeróbicos, por outro lado, são aqueles em que o requisito de exercícios de energia do corpo excede a fornecida pela respiração, e o corpo é forçado a trabalhar sem oxigénio. Devido a esta falta de oxigênio, estes exercícios são realizados apenas por curtos períodos de tempo. Estes exercícios incluem atividades como corrida, poder de elevação, etc

São exemplos de exercícios aeróbios e anaeróbios

Exercícios aeróbicos

– ciclismo

– kick boxe

– pular corda

– correr e correr

– natação

Exercícios anaeróbicos

– halteres

– resistência com aparelhos

 

Aeróbico Vs. Anaeróbicos

Embora o mais importante, o oxigénio não é o único ponto de distinção quando se trata de uma comparação entre aeróbicos e anaeróbicos. Enquanto exercícios aeróbicos são simples, moderada intensidade exercícios realizados por um longo período (que durou cerca de 20 minutos), exercícios anaeróbios são exercícios de alta intensidade realizados por um curto período de tempo (duração de cerca de 2-3 minutos). Como os exercícios aeróbicos são realizados por um longo período, os níveis de resistência exigidos são mais elevados em comparação com os níveis de resistência para exercícios anaeróbios.

Exercícios aeróbicos facilitam a circulação adequada de sangue e oxigênio no corpo. Eles ajudam na redução da pressão arterial e queima de gordura. Treinos anaeróbicos, por outro lado, contribuem para a melhoria da força muscular e massa. Eles ajudam a melhorar a potência, velocidade e taxa metabólica do corpo. A maior desvantagem de exercícios aeróbicos é que eles tendem a diminuir a massa corporal e da força de um indivíduo.

 Perda de peso: Muitas pessoas têm uma ideia errada de que exercícios aeróbios são melhores quando se trata de perda de peso. Os exercícios cardiovasculares, como corrida e saltos, ajudam na perda de peso, mas os exercícios anaeróbios têm uma ligeira vantagem estes exercícios queimam gordura, mesmo quando o corpo está em repouso. Mais importante ainda, estes também exercem alvo a construção de músculos, e, neste processo de construção muscular, tendem a queimar quantidade significativa de calorias.

Exercícios anaeróbios têm uma ligeira vantagem sobre os exercícios aeróbicos, mas isso não significa necessariamente que eles iriam atender você. Por exemplo, uma pessoa que sofre de dor nas costas deve, idealmente, escolher o treino aeróbico, o levantamento de peso pode agravar a dor nas costas. A melhor opção, portanto, é consultar o seu médico, e ir para um check-up antes de determinar qual exercício é bom para você, aeróbio ou anaeróbio.

 

 

Testes e Audições – 5 dicas para se dar bem nas Audições de Dança

Testes e Audições – 5 dicas para se dar bem nas Audições de Dança

Você quer fazer uma audição para entrar em alguma Cia de Dança ou em algum Musical famoso?

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Se você estiver pensando em tentar um teste, você provavelmente deve praticar muito por algum tempo.

As dicas a seguir vão ajudá-lo a dar o seu melhor, quando o grande dia finalmente chegar … prepare-se para fazer seu teste e realmente brilhar!

Dica 1 – Se prepare bem

Sabia de tudo sobre a Cia de Dança que você está tentando entrar. Você vai se sair melhor nos testes, se você souber exatamente o que é esperado, faça uma pequena pesquisa.

Saiba mais sobre os requisitos para ser bailarina, incluindo os custos e taxas, séries e limites de peso, se houver.

Pergunte sobre os requisitos de capacitação, incluindo movimentos, estilos ou técnicas que você deve executar.

Por exemplo, algumas Cias de dança exigem que os seus bailarinos sejam mais alongados, que tenha noções de sapateado, etc.. Sabendo de antemão lhe dará tempo para aperfeiçoar suas habilidades.

Dica 2 – Vista-se adequadamente

A maioria das Cias de Dança exigem algumas vestimenta para os testes. Você, claro, vai querer impressionar a banca de jurados vestindo exatamente o que pedir para você. (Se a equipe não lhe dizer o que usar para testes, usar uma base preta, calça e colant, nada de chamar muito a atenção pela vestimenta).

Use o seu cabelo bem puxado e afastado de seu rosto. Não use jóias e fazer uma maquiagem bem leve. Você não deve vestir nada que irá tirar o foco da sua dança.

Dica 3 – Ser pontual

Os juízes estarão observando para ver quem segue as regras. Chegar alguns minutos mais cedo e começar a aquecer é sem dúvida muito necessário. Mostrar aos juízes que são pontuais, e está pronto para iniciar a sua audição.

Dica 4 – Sorrir

Não deixe o nervoso tomar contar e não demonstre isso no seu rosto.  Mantenha sua cabeça erguida o tempo todo e uma aparência agradável em seu rosto.

Durante o teste, sorria, fique tranqüilo e mostre que você está no controle da situação. Deixe os juízes sentirem o quanto você gosta de dançar, e como você está animado para ser parte da equipe.

Dica 5 – Mostre a sua melhor performance

Agora é a hora de colocar tudo em bom uso. O tempo do teste, aqueles poucos minutos são o tempo para realmente brilhar e se sobressair. Não fique tímido… tire o máximo de cada movimento para realmente impressionar os juízes.

Se você cometer um erro, continue sorrindo e não pare de dançar. Mostrar aos juízes que você é capaz de manter a calma, mesmo estando sob pressão.

Boa Sorte!!!