Notícias do Dicas – Aniversário de 40 anos de “Saturday Night Fever”

Notícias do Dicas – Aniversário de 40 anos de “Saturday Night Fever”

Saturday Night Fever - 40 anos

É o 40º aniversário da Saturday Night Fever, e vamos ver mais movimentos pélvicos de Travolta do que nunca. Isso ocorre porque há um aniversário de “cenas cortadas” (disponível em DVD e HD digital) com mais 15 minutos adicionados à versão que causou euforia em massa em 1977.

John Travolta personificou Tony Manero, o menino da classe trabalhadora italiana-americana que é envergonhado por sua família e indiferente ao trabalho em uma loja de ferragens, mas com energia para queimar. Os créditos de abertura, quando ele está caindo na rua até a batida infecciosa dos Bee Gees, não deixa dúvidas de que ele vai brilhar na pista de dança. Mas o que o torna irresistível é a pitada de tristeza, juntamente com os movimentos muito legais, descaradamente sexuais que ele faz na competição local. O coreógrafo Lester Wilson treinou Travolta em seus movimentos em todos os detalhes, até mesmo gestos como corrigir suas abotoaduras com estilo. Sua dança está cheia e esburacada, mas não esconde o sentimento desesperado de estar preso em sua vida. Ele não está atuando na pista de dança; Ele está dançando pela sua sobrevivência psíquica. E é isso que manteve Travolta em nossas mentes durante todos esses anos.

Saturday Night Fever - John Travolta

Este filme também tem uma das minhas linhas favoritas de todos os tempos. Em um estúdio onde Tony e Stephanie (Karen Lynn Gorney) estão preparando sua coreografia, Tony mostra sua última jogada. Ela está impressionada.

“Você conseguiu isso?”  Ela pergunta.

“É…”, ele murmura. “Bem, eu vi na TV primeiro, então eu fiz isso”.

Adoro isso porque define a natureza em mudança da originalidade. Estamos tão bombardeados com estímulos nas telas (exponencialmente mais agora do que em 1977) que tudo o que formamos no estúdio é afetado pelo que vimos.

A Saúde do Bailarino – Benefícios da aeróbica na água

A Saúde do Bailarino – Benefícios da aeróbica na água

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Verão não é geralmente uma boa hora para se exercitar ao ar livre para a maioria. Hidroginástica é uma forma legal de se livrar dos quilos extras e ao mesmo tempo aliviar o calor do verão.

Hidroginástica ou aeróbica é uma grande combinação de diversão e exercício. O exercício envolve vários movimentos do corpo em um estilo rítmico, e certos tipos de passos de dança também. A sessão padrão de hidroginástica dura cerca de 40 a 50 minutos. Este programa de treino aumenta gradualmente a partir de passos básicos para exercícios de alta intensidade. Quando se trata de melhorar a saúde cardiovascular e resistência muscular, hidroginástica é uma alternativa mais segura que a aeróbica padrão, e facilmente supera a maioria dos outros tipos de exercícios. Este exercício concentra-se em partes do corpo como pernas, tórax, abdômen, pescoço e costas. Porque hidroginástica é uma forma de exercício de baixo impacto, é especialmente benéfica para os idosos e para pessoas com artrite, osteoporose, dores nas costas e diabetes.

Vantagens da Aeróbica de Água

– Quando o corpo é imerso em água, o peso do corpo, devido à flutuabilidade diminue muito. Esta propriedade da água suporta cerca de 80% do peso do corpo. Isso faz com que a aeróbica na água seja um exercício que tem menos esforço nas articulações, costas e tronco. Reduzida a força gravitacional na água, aumenta a flexibilidade do corpo durante o exercício. Exercícios pode ser realizados sem qualquer ansiedade, especialmente por pessoas idosas.

– A água é mais densa do que o ar e por isso a resistência oferecida por ele. Resulta em rápida tonificação dos músculos do corpo, como a resistência a água exerce sobre os músculos de trabalho de todas as direções. É por isso que simplesmente andando na água por cerca de uma hora vai queimar quase o dobro de calorias como andar em terra faria. Dada essa propriedade da água, a aeróbica aquática especialmente vem a calhar para a reabilitação de atletas lesionados e pacientes ortopédicos.

Melhor condicionamento cardiovascular é um dos principais benefícios. Ele ajuda a aumentar o nível do bom colesterol e melhorar a circulação sanguínea. Em comparação com outros esportes terrestres, como ciclismo ou corrida, a freqüência cardíaca permanece estável, enquanto trabalhava na água.

Especialistas dizem que a hidroginástica é uma forma que você menos se esforça para perder peso quando comparado com a maioria dos outros exercícios.

– Hidroginástica também é benéfico para as pessoas com artrite e osteoporose. As mulheres grávidas também podem aproveitar os benefícios desta forma de exercício. Flutuando na água reduz o stress nas costas, e alivia a dor nas articulações. Além disso, na hidroginástica, a pessoa não tem que ser cuidadoso de cair ou tombar, graças ao apoio propriedade da água.

 

Inconvenientes de Aeróbica de água

A principal desvantagem da aeróbica na água é que é difícil de realizar sem um instrutor bom. Houve casos em que, algumas pessoas tiveram que lidar com irritações de pele e infecções. Tais problemas podem ocorrer por causa dos tipos de produtos químicos utilizados na piscina para desinfectar a água. Para evitar tais problemas, é aconselhável tomar um banho assim que você sair da piscina. Maios adequados também são benéficos na redução do risco de infecções transmitidas pela água.

Hidroginástica é muito apropriado para mulheres grávidas, pessoas com problemas nas articulações, idosos e aqueles que lidam com a obesidade. Benefícios da hidroginástica estão associados com baixos níveis de tensão, ansiedade e cansaço, e mais prazer, diversão e relaxamento. Além disso, este exercício não requer muitos equipamentos, como que em uma sala de musculação. É só você e a água e os lotes de benefícios para melhorar a sua saúde e personalidade!

Ballet Clássico – Trajes para Ballet Clássico

Ballet Clássico – Trajes para Ballet Clássico

Ballet

Os trajes desempenham um grande papel nos movimentos graciosos e rápidos dos bailarinos.

Ballet é uma dança que teve sua origem na era majestosa dos Tribunais do Renascimento Italiano (no século 15). Foi ainda expandido em outros países como Rússia, França e Inglaterra, onde se tornou popular como um show de dança formalizada. É preciso muita prática e persistência para realizar os movimentos de ballet. Para executar as coreografias de ballet há uma necessidade de duas coisas importantes. Essas coisas são: as sapatilhas e os trajes de ballet.

História dos trajes do ballet

No início os ballets eram todos sobre a riqueza e a perfeição da corte real italiana. Os trajes de ballet refletiam essa riqueza e, como resultado, eles eram feitos de panos extravagantes com brocados pesados, enormes enfeites e peças de cabeça. Como eles eram feitos de um tecido pesado, eles realmente restringia os movimentos do ballet. Como resultado, durante o início do século 18, uma bailarina introduziu uma versão mais curta das saias de ballet. Ela chamou a atenção de muitos críticos de ballet, surpreendentemente, estes trajes menores não foram muito criticados e foram facilmente aceitos pelo público. Eles vieram como um grande alívio para as bailarinas.

Mais tarde, durante o final do século 18 e 19, os trajes de ballet novamente passaram por uma série de modificações. Era a época, quando as bailarinas usavam trajes no comprimento da panturrilha. Elas usavam esses trajes brancos, que geralmente eram feitos de tule. Estas fantasias eram acompanhadas com sapatos de cetim pontiagudos. Homens, por outro lado, usavam calças e camisas de mangas longas. Estas camisas eram geralmente cobertas com casacos mais curtos. As mangas dos trajes para homens e mulheres eram determinadas de acordo com o tema do ballet. Como resultado, existem vários padrões dos figurinos para cada personagem, até hoje!

Trajes dos Ballets Atualmente

Hoje, trajes de ballet são chamados de tutus. Um tutu de ballet é uma saia que a bailarina usa. Existem vários tipos de tutu. Ele pode ser feito utilizando um único, ou várias camadas de um tecido. Estas camadas distribuídas em torno do corpo da bailarina. Estas fantasias ajudam as bailarinas a executar facilmente os seus movimentos corporais, sem interferir nos movimentos da dança. Os tutus de ballet são muitas vezes associados com um collant, que é uma peça de roupa colante, que cobre o tronco. Os collants estão frequentemente cheios mangas e eles são usados ​​principalmente pelas ginastas, atletas e bailarinos. Aqui estão alguns tipos básicos do ballet tutu:

Tutu Sino: Como o nome sugere, um tutu sino tem a forma de um sino e é feito sem a utilização dos aros de arame. Ele é feita de muitas camadas de tecido, mais do que o tutu clássico prato.

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Tutu prato – Bailarina Sayuri Hayasaka 

Tutu Prato: Esta saia tem várias camadas de tecido que são esticados para o exterior a partir dos quadris da bailarina. Aros de arame são usados ​​para manter a saia durinha e armada.

Tutu Romântico: O tutu romântico é feito de 3 a 12 camadas do tecido. Esta saia é geralmente ligada ao corpete. Estes tutus de movimentos livre simbolizam o tema romântico do ballet.

Tutu Esponja de Pó: Este tutu é na verdade uma combinação do tutu sino e o tutu prato. Este tipo de tutu é vagamente montado, o que lhe dá a aparência de um pouco mais completo e mais suave. Nenhum aro de arame é usado ​​para fazer este tutu, são apenas algumas camadas (2-5) do tecido.

Os acima mencionados são alguns dos trajes de ballet para meninas e mulheres. Existem muitos outros tipos de trajes, que são populares por vários nomes. Tradicionalmente, os figurinos de ballet são feitos com materiais elegantes e soltos como tule, musseline, nylon, voile, tarlatana, etc. Bailarinos continuam a usar calças e camisas de mangas longas.

Hoje, existem muitas lojas de roupas de dança, que lhe oferecem trajes baratos. Eles estão disponíveis em cores e padrões, que não deixará de atrair você. Pode-se também encontrar alguns grandes trajes online. Tudo que você tem a fazer é selecionar o melhor que lhe convier.

Ballet de Repertório – A Bela Adormecida

Ballet de Repertório – A Bela Adormecida

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A BELA ADORMECIDA

Coreografia: Marius Petipa

Música: Peter Ilych Tchaikovsky

Estréia mundial: 1890, em São Petersburgo, Rússia.

Nasceu a princesa Aurora, filha do casal Real de um reino muito feliz e rico.

Em sua festa de batizado, as seis fadas do bem trazem para a pequena princesa

presentes e bençãos. Mas a fada do mal, Carabosse, não foi convidada, e aparece na festa para expressar sua indignação com tal desfeita. Mesmo depois do pedido de desculpas do Rei e da Rainha, Carabosse lança sobre a princesa um feitiço: quando ela completasse 15 anos, espetaria seu dedo em um fuso e morreria. A Fada Lilás, principal protetora de Aurora, acalma a todos dizendo que não tem poderes para desfazer o feitiço, mas que poderia amenizá-lo. Assim, Aurora não morreria, mas cairia em um sono profundo até que fosse despertada com o beijo de um príncipe. E assim, a princesa cresce cercada de cuidados de seus pais, mantida longe de qualquer objeto que pudesse ser pontiagudo. Na festa de seus 15 anos, seus pais lhe prepararam uma grande festa, e convidaram novamente todos os habitantes do reino, com exceção de Carabosse, que havia sido mandada embora do reino. De repente, uma velha entra no salão e dá um presente para Aurora: um fuso. Na mesma hora Aurora, intrigada com o objeto que nunca viu, espeta o dedo e desfalece. A velha tira seu disfarce e mostra quem é realmente: Carabosse, disfarçada. Então, a fada Lilás espalha um encanto por todo o reino, fazendo com que todos adormecessem junto com Aurora. 100 anos se passam, e no reino vizinho, um jovem príncipe sonha com a Fada Lilás e a bela princesa adormecida. Guiado pela fada, o príncipe enfrenta todos os desafios colocados no caminho por Carabosse, e depois de muito lutar chega ao castelo. Lá está Aurora, dormindo ainda mais linda que no dia que espetou seu dedo no fuso. O príncipe percebe que ela é o grande amor que ele estava buscando há muito tempo, e a beija. A princesa desperta do sono profundo e, como num passe de mágica, todos os convidados e habitantes do castelo também acordam, os jardins voltam a ser vivos como antes, tudo se desperta como se nada tivesse acontecido. Aurora também vê no príncipe o seu grande amor, e uma grande festa de casamento é celebrada, e a Fada Lilás convida para as festas os habitantes fantásticos de outros reinos, como Chapeuzinho Vermelho e o Lobo-Mau, Cinderela e seu príncipe, o Gato de Botas e outros. Muita alegria e comemorações se seguem então.

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A Bela Adormecida, sem dúvida, foi a grande obra que marcou o apogeu da Rússia dos Czares, além de ser o grande sucesso de Tchaikovsky em vida (O Lago dos Cisnes parece ter superado A Bela Adormecida em sucesso, mas isso aconteceu somente depois da morte do compositor). A ambientação da obra, em castelos reais, com personagens grandiosos e fantásticos, marca a força da Rússia na época. A produção da obra foi feita em conjunto pelo coreógrafo, figurinista e o compositor, por isso o resultado é uma integração tão perfeita entre os três elementos. São características especiais da obra as variações muito ricas em técnica, especialmente a da Fada Lilás, que Petipa construiu para sua filha, Marie Mariusovna Petipa. Outra curiosidade é que a fada do mal, Carabosse, costuma ser apresentada por um homem, provavelmente para ficar mais grosseira e pesada. A grandeza da obra fez com que três dos seus Grand Pas-de-Deux se tornassem independentes, sendo apresentados por grandes bailarinos de todo o mundo em espetáculos de gala, sem o resto do ballet.

 

 

NYC – A origem do Tony Awards

NYC – A origem do Tony Awards

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Antoinette Perry 

O Original “Tony”

O Tony Award da American Theater Wing começou em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência do teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, o Tony Award fez sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e houve oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patricia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Aos 15 anos, ela se juntou à companhia de turismo de seu tio George Wessells. “Eu assisti e aprendi. Eu fiz tudo, desde ajudar no guarda-roupa até a venda de bilhetes. Eu era pequena e loira e logo estava me jogando em melodramas e farsas. Finalmente, tio George me treinou, principalmente nos papéis masculinos shakespearianos.”

Ela deixou a empresa Wessels em 1905 em Chicago, onde ela fez o teste para a parte que a trouxe para Nova York. Foi lançada quase imediatamente para juntar-se ao mestre da música, um melodrama sobre um maestro vienense na América que procurara por sua filha. Perry desempenhou o papel feminino principal em frente David Warfield, um dos atores mais populares do teatro.

Warfield tinha grande admiração por Miss Perry e eles se tornaram amigos. Ele foi associado com o empresário David Belasco e organizado para Miss Perry para audição para ele. Em outubro de 1907, Miss Perry foi escolhida como líder de Warfield em Belacso, A Grand Army Man, em seu novo Teatro Styvestant (agora Belasco).

Logo, outro homem estava na vida de Antoinette Perry. Frank Frueauff, um velho namorado de casa que fundiu a Denver Gas and Electric, do qual era vice-presidente, com o Serviço de Cidades (agora CITGO). Eles ficaram loucamente apaixonados e, no auge de sua carreira de atriz de Nova York, Miss Perry casou-se com Frueauff.

Em 1920, abordado por Brock Pemberton, um agente de imprensa extravagante virou produtora, Miss Perry, sem o conhecimento de Frueauff, tornou-se um “anjo” na produção de Pemberton da comédia da Zona Gale, Miss Lulu Bett. Ele passou a ganhar o Prêmio Pulitzer e se tornar um grande sucesso. Logo Miss Perry era o parceiro silencioso de Pemberton. Quando seu marido descobriu que sua esposa investiu no teatro e tinha feito isso, deu suas bênçãos. Então, em 1922, ele morreu de um ataque cardíaco. Ele deixou uma propriedade de US $ 13 milhões.

“Mãe generosamente emprestou o dinheiro”, filha Margaret Perry, 89 e uma atriz que há muito tempo desistiu de teatro, disse a partir de sua fazenda selvagem no Colorado”. Ela apreciou a vida extravagante. De 1923, ela nos levou, nossa governanta, o tio Brock, como fomos instruídos a chamá-lo, e sua esposa Margaret, e dez outros para a Europa por sete semanas.

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Nasce um diretor

Ela entrou em uma grande depressão e se tornou um ávido leitor. Inspirada pela atriz / dramaturga Rachel Crothers, que dirigiu suas próprias peças, Perry decidiu que queria dirigir. Sua riqueza, que ela dobrou jogando no mercado de ações, e seu relacionamento com Pemberton foram sua entrada. Juntaram forças, tanto profissionalmente quanto romanticamente, e tiveram sucessos modestos. Em 1929, eles atingiram fama com Strictly Dishonorable Preston Sturges, um jogo cínico sobre a virtude e proibição. Um crítico elogiou Perry “por fazer o trabalho de um homem” como diretor. Scalpers tem US$ 30 um bilhete. Os direitos de filmes foram vendidos. Eles estavam a caminho da rua fácil.

Um mês depois, o mercado de ações caiu.

“Mãe despertou dois milhões de dólares em dívidas”, lembrou Margaret. “Levou sete anos para se recuperar.” De alguma forma, provavelmente por causa do sucesso de Strictly Dishonorable, ela conseguiu um empréstimo de dois milhões de dólares. ”

Perry e Pemberton compartilhavam um escritório íntimo em um teatro (era ao lado do Imperial, onde há um estacionamento hoje), e almoçavam diariamente em Sardi, onde abasteciam muitas fofocas teatrais. No entanto, no final do seu dia útil, ela iria para casa para seus filhos e ele para sua esposa.

 

Antoinette Perry: filantrópica

Apesar de suas credenciais teatrais, Perry é melhor lembrada por sua generosidade e liderança na Segunda Guerra Mundial como uma co-fundadora da Ala de Teatro Aliado Alívio, posteriormente, o American Theater Wing.

A Ala operou a famosa “Stage Door Canteen” no porão do (agora arrasado) 44th Street Theatre, onde as estrelas trabalhavam como máquinas de lavar louça, garçons, garçonetes e animadores para as forças armadas. A venda de direitos de filme para uma história sobre a cantina, e um teste de seis dígitos de Perry, juntamente com o apoio de Rodgers e Hammerstein, desde USO passeios de shows para tropas no exterior.

Margaret confessou que sua mãe era uma jogadora inveterada. Perry também foi presidente do Teatro Experimental Nacional e financiou, com Actors Equity e Guild Dramatists, o trabalho de novos dramaturgos. Durante e depois da guerra, ela subscreveu audições para 7.000 esperançosos. Seu sonho de uma escola de ator nacional foi realizado em 1946.

“A mãe desenvolveu problemas cardíacos”, explicou Margaret, “mas, como cristã devotada, ela se recusou a consultar um médico, e seus deveres de diretora e dedicação ao trabalho da Ala tiveram um preço terrível”. Por agora, por causa de seus enormes sucessos, Pemberton era um membro da sociedade do café e, por causa da sociedade do seu irmão na mesa redonda de Algonquin, nos melhores termos com sociedade literária. “Mas,” observou Margaret, “de onde quer que ele estivesse, chamava Mãe todas as noites. Muitas vezes seus telefonemas eram a única coisa que aliviava sua intensa dor física.”

NYC – A história do TONY AWARDS

NYC – A história do TONY AWARDS

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Um prêmio pela excelência

Os Tony Awards do American Theater Wing começaram em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência no teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, os Tony Awards fizeram sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante Eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patrícia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Diane Carroll, Robert Morse, Margaret Leighton e Paul Scofield foram os vencedores no 1962 Tony Awards.

Os primeiros anos

A comunidade da Broadway abraçou o Tony desde o início. A cerimônia de premiação em seus primeiros anos foi menor do que é hoje, o jantar de gala anual rapidamente se tornou um dos destaques da temporada de teatro de Nova York. Mais de 1.000 pessoas participaram do primeiro jantar Tony em 1947.

Nos 18 anos que se seguiram, as apresentações de jantar e prêmios Tony ocorreram em salões de festas de hotéis como Plaza, Waldorf Astoria e Astor. A WOR e a Rede Mutual transmitiram as cerimônias de premiação pelo rádio, e a cobertura televisiva começou em 1956, quando o Canal 5 do Du Mont os transmitiu pela primeira vez localmente.

O entretenimento foi fornecido por tais favoritos da Broadway e talentosos então recém-chegados como Katherine Cornell, Guthrie McClintic, Ralph Bellamy, Joan Crawford, Alfred de Liagre, Jr., Gilbert Miller, Shirley Booth, Carol Channing, Joan Fontaine, Paul Newman, Anne Bancroft, Sidney Poitier, Fredric March, Robert Goulet, Gig Young, Anna Maria Alberghetti, Henry Fonda e muitos outros.

Apesar da morte prematura de Helen Menken, então presidente da Wing, os Tony Awards de 1966 foram apresentados no Rainbow Room. A cerimônia foi subjugada e, pela primeira e única vez, realizada à tarde sem entretenimento. No ano seguinte, a cerimônia de Tony foi mais uma vez um caso de gala, mas com uma diferença fundamental. Com Isabelle Stevenson como seu novo presidente, a Ala convidou a Broadway League – então conhecida como a Liga dos Teatros de Nova York – para co-apresentar o Tonys em 1967, apenas a tempo para a cerimônia de transmissão inaugural na rede de televisão. Pela primeira vez, um público nacional poderia assistir à apresentação dos Tony Awards.

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Julie Andrews

A era da televisão 

Alexander H. Cohen produziu a transmissão histórica, que durou apenas uma hora, e organizou uma gala de comemoração que se seguiu imediatamente depois.

Naquele ano, os Tonys mudaram-se de seu tradicional salão de baile do hotel para um teatro da Broadway – o Shubert. Cohen continuou a produzir a cerimônia de premiação e o jantar de gala para as próximas duas décadas, supervisionando sua transmissão nacional em várias redes em nome da Liga e da Ala. Durante seu mandato, o Tony tornou-se conhecido como o melhor programa de prêmios na televisão, incorporando performances ao vivo com a concessão de prêmios reais. A era de Cohen terminou em 1987, e esse ano a WING e a liga criaram as produções do prêmio de Tony, uma empresa comum que continuasse a produzir os prêmios e seus eventos relacionados a este dia.

CBS começou a levar a cerimônia de premiação em 1978, e tem transmitido o Tony nacionalmente a cada ano desde então. Por seis anos, começando com a 51ª apresentação anual de prêmios em 1997, o programa de Prêmios Tony foi exibido sob uma parceria única entre a CBS e a PBS.

Um especial de uma hora PBS cobriu 10 prêmios, seguido imediatamente pela transmissão CBS. No entanto, a partir de 2003, a CBS dedicou um tempo inteiro de três horas para o Tony. O resultado foi um prêmio sem costura e programa de entretenimento transmitido naquela rede. O programa Tony recebeu vários prêmios Emmy durante a era da CBS, e é transmitido em junho em muitos países do mundo.

Os Tonys comemoraram um marco em 1997, quando a cerimônia de premiação se afastou da Broadway pela primeira vez em três décadas. Para todos menos um dos anos entre 1997 e 2010, a noite de Tony ocorreu em junho no Radio City Music Hall de Nova York. Desde 2011, a cerimônia tem sido realizada tanto na Radio City ou no Beacon Theatre, no Upper West Side de Manhattan.

Em 2000, a IBM se juntou com o Tony para lançar TonyAwards.com, um site que imediatamente se tornou o recurso definitivo para obter informações sobre os prêmios. O site serve como uma casa durante todo o ano para o Tony na Internet, e ancora uma presença de mídia social on-line que inclui Facebook, Twitter, Instagram, YouTube, Snapchat e outras plataformas.

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O Medalhão

Durante os dois primeiros anos do Tony (1947 e 1948), não houve um Tony Award oficial. Os vencedores foram apresentados com um pergaminho e, além disso, recebiam presentes.

Em 1949, o sindicato de designers, United Scenic Artists, patrocinou um concurso para um modelo adequado para o prêmio. A peça vencedora, um medalhão em forma de disco desenhado por Herman Rosse, retratou as máscaras de comédia e tragédia de um lado e o perfil de Antoinette Perry do outro. O medalhão foi iniciado naquele ano no terceiro jantar anual. E continua a ser o Tony Award oficial.

Desde 1967 o medalhão foi montado em um pedestal preto com uma armadura curvada. Após a cerimônia, cada prêmio é numerado para fins de rastreamento e gravado com o nome do vencedor.

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

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TAP DANCE É VIDA! TAP DANCE É PRA TODOS!

Tap Dance é um estilo divertido de dança que qualquer pessoa pode aprender, independentemente da experiência anterior em dança. Sapateado é benéfico de muitas maneiras. Incluem o aumento cardiovascular condicionado, força, flexibilidade e coordenação. O Tap Dance fortalece pernas e pés, além de aumentar a flexibilidade nos quadris, joelhos e tornozelos. Habilidades cognitivas são também reforçadas, como tap dancers deve desenvolver tanto a memória mental quanto a muscular.

Sapateado também desenvolve um grande senso de ritmo, de tempo, agilidade e concentração. Podemos sapatear em muitos ritmos, usando de músicas clássicas até as mais atuais. Ou ás vezes nem precisamos da música, com nosso instrumento nos pés criamos nossa própria melodia.

E além de tudo isso… Diversão na certa!

 

HISTÓRIA DO TAP DANCE

Muito se fala sobre a história do sapateado, mas sua origem causa alguns desencontros, justamente por parecer ter originado de vários lugares.

A hipótese mais provável nos leva ao século V – e que foi na Irlanda, onde os camponeses que usavam sapatos com solado de madeira para aquecer os pés, começaram a brincar com os sons que esse sapato fazia. Criavam diversos ritmos, originando uma dança conhecida como Irish Jig. O Irish Jig exigia de seus dançarinos um rápido e complexo trabalho dos pés, com o braço próximo ao tronco.

Séculos mais tarde, na Inglaterra, durante a Revolução Industrial, os operários usavam sapatos de madeira. Nos intervalos do trabalho, estes operários desafiavam uns aos outros com os sons produzidos pelo sapato, criando uma nova dança chamada de Lancashire Clog. Mais tarde estes tamancos foram substituídos por solados de couro com moedas de cobre fixadas na sola, para conseguir ganhar e impressionar mais no desafio produzindo maior som. Outra influência também muito forte veio das danças africanas, que eram feitas pelos escravos em suas poucas horas de lazer. Alguns senhores feudais admiravam essas danças que uniam o trabalho dos pés escravos para seu próprio entretenimento.

Em 1882, um artista menestrel chamado Thomas acresentou solas metálicas nos sapatos para produzir som de percussão aos seus movimentos rítmicos. Outros artistas gostaram da ideia e seguiram o exemplo. O Tap Dance espalhou-se rapidamente através de shows de vaudeville, mas ainda permaneceu como uma dança cômica de entretenimento.

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No início do século 20, o tap dancer negro Bill “Bojangles” Robinson deu um passo progressivo e marcante na tentativa de sair em turnê se mantendo como um artista solo. Esta foi uma jogada arriscada e rara, pq os afro-americanos não eram autorizadas a estar no palco junto com artistas brancos. Em resposta a esta barreira, Robinson consistentemente se apresentava como um servo no palco, então ele não estava realmente quebrando o protocolo.

As leis de proibição levaram ao desenvolvimento de clandestinos, onde afro-americanos poderiam encontrar emprego como dançarinos de tap dance, apresentando para públicos embriagados que eram predominantemente brancos. Mais pra frente Hollywood começou a fazer musicais para ajudar a nação com as dificuldades da guerra. Para fazer com que os musicais ficassem mais divertidos, o uso de acrobatas foram adicionados ao gênero para torn-a-lo mais ativo. Dançarinos começaram a incorporar coreografia sincronizada em seus atos e também para adicionar ao entretenimento um visual atraente. Esta combinação de elementos é o que à luz a forma mais moderna de tap dance, ou o Tap Dance Broadway.

Nos EUA, o Sapateado se deu pelos negros americanos, que se desafiavam com a dança acompanhada por ritmos sofisticados, com muitos movimentos de corpo e não apenas o trabalho dos pés, era uma dança exclusivamente masculina.

Entre os anos de 1909 e 1920, vários estilos musicais e de dança foram criados nos EUA, como o “FOX TROT” e o “TUKEY TROT” e com a chegada dos africanos e europeus na América do Norte, essa fusão de informações se uniu ao estilo musical americano que estava em alta, então começaram a surgir os sapatos com chapinhas de metal nas solas e a dança chamada então de SAPATEADO.

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O Sapateado Americano se consolidou realmente no início da década de 20, quando foi criado o espetáculo “Shuffle Along”, onde 16 bailarinas executavam a mesma coreografia dando origem ao chamado “Chorus Line” e revolucionando os palcos da Broadway.

Desde então, até meados dos anos 40, o sapateado proliferou como uma febre nos EUA, embora mas décadas de 50 e 60, tenha sumido do cenário cultural americano, devido à Segunda Guerra Mundial.

Na década de 70, o sapateado teve seu grande retorno aos palcos conquistando, anos mais tarde as telas do cinema, dando origem a era dos grandes musicais e tendo como protagonistas os grandes mestres: Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, Ann Muller, entre outros.