ESPECIAL NYC – A História das Rockettes do Radio City

ESPECIAL NYC – A História das Rockettes do Radio City

 

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Por quase um século, as Rockettes foram ícones americanos. Elas apareceram no Radio City Music Hall em centenas de shows e participaram de muitos eventos históricos e memoráveis – como se juntaram à USO e viajaram para o exterior para entreter as tropas e apoiar o esforço da guerra e atuar na apresentação do 43º presidente da Estados Unidos, George W. Bush, em 2001. Faça uma viagem pela história para ver como os Rockettes evoluíram como uma parte icônica da história americana.

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OS ANOS VINTE
As Rockettes começaram a arrancar os sapatos desde que Russell Markert, o principal coreógrafo das Rockettes, o conservador de imagem e a “figura paterna” residente da famosa troupe até que ele se aposentou em 1971, fundou a exemplar linha de coro americana – uma empresa de dança de precisão emocionante com ótimo estilo e glamour – em 1925.

Inspirado pela trupe de dança britânica formada por John Tiller (“The Tiller Girls”, realizada em uma produção de 1927 Ziegfeld Follies), Russell queria alcançar precisão absoluta e máxima uniformidade nos movimentos das bailarinas. Originalmente, uma Rockette tinha que estar entre 1,57 e 1,69 mas hoje, ela está entre 1,68 e 1,78 e tem que saber sapateado, moderno, jazz e ballet. Começando com apenas 16 mulheres, ao longo dos anos a troupe cresceu até uma linha de 36 bailarinas.

As bailarinas mais conhecidas como “Missouri Rockets” fizeram sua estreia no show em St. Louis. No mesmo ano, a trupe viajou para a cidade de Nova York para se apresentar no show da Broadway Rain ou Shine, e foi descoberta pelo showman S.L. “Roxy” Rothafel.

As “Missouri Rockets” foram um sucesso instantâneo, que Rothafel não as deixou partir após as apresentações no Roxy Theatre, e pediu a Markert que formasse outra linha para substituir essas bailarinas.

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OS ANOS TRINTA
Embora houvessem três grupos de dança separados que se apresentavam na cidade de Nova York no início dos anos 30, Rothafel mudou duas das trupes para o Radio City Music Hall para a noite de estreia no dia 27 de dezembro de 1932. Descrito como “o ingresso mais quente da cidade”, mais de 100 mil pessoas solicitaram admissão, mas apenas 6.200 poderiam ser obrigados.
Rothafel primeiro nomeou as trupas como “Roxyettes”, que realizaram uma sequencia coreográfica com a música “With a Feather in Your Cap” na noite de abertura, mas em 1934, os “Roxyettes” se tornaram oficialmente “Radio City Music Hall Rockettes”.

Duas semanas após a abertura da gala, Radio City Music Hall estreou seu primeiro filme, The Bitter Tea of General Yen. A Radio City tornou-se rapidamente o melhor teatro e favorito para cineastas. Em pouco tempo, uma primeira exibição no Music Hall praticamente garantiu uma corrida bem sucedida nos cinemas ao redor do país.

Desde 1933, mais de setecentos filmes estrearam no Music Hall; Como o original King Kong, National Velvet, White Christmas, Mame, Breakfast in Tiffany’s, Kill a Mockingbird, Mary Poppins, 101 dálmatas e o Rei Leão.

O Radio City apresentava um novo filme todas as semanas acompanhado por uma produção de palco esplêndida e única, estrelado pelas Rockettes.

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OS ANOS QUARENTA 
Após o ataque a Pearl Harbor, os Estados Unidos entraram na Segunda Guerra Mundial. As Rockettes foram os primeiros artistas a se oferecerem para as Organizações de Serviço Unidas (USO). Elas entreteram nossas tropas no exterior e estiveram envolvidas em shows de guerra no Copacabana, a base do Corpo Aéreo do Exército em Pawling, Nova York e na Cantina da Porta de Estágio. As Rockettes e Eleanor Roosevelt se hospedaram mesmo num Rally de Ligações de Guerra na Arena mais famosa do mundo, Madison Square Garden.

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OS ANOS CINQUENTA
O Radio City estava mostrando filmes de estreia mundial com shows de palco, às vezes até cinco por dia. Os filmes continuavam passando enquanto houvesse demanda de ingressos, e os shows mudaram a cada vez que os filmes mudavam. Se um filme falhou na bilheteria, as Rockettes de repente tinham que ensaiar o novo show ao amanhecer à meia-noite para uma nova estreia.
Por causa de seu horário exigente, o Radio City Music Hall tornou-se a nova casa das bailarinas. Trabalharam, jogavam, comiam e muitas vezes dormiam no teatro. Foram fornecidas instalações, incluindo um dormitório com 26 camas, uma cafeteria, uma área de recreação, uma sala de costura e um hospital com equipe médica, para apoiar e sustentar o que muitos recordam como uma família extensa.

Os americanos nos anos 50 se tornaram cada vez mais à televisão para o seu entretenimento, por isso era inevitável que a televisão apresentasse as Rockettes. Elas fizeram sua primeira aparição na TV em Wide, Wide World, e também se apresentaram pela primeira vez no desfile do dia de Ação de Graças da Macys em 1957. Como tantos eventos as Rockettes participaram, e tornou-se uma tradição da cidade de Nova York.

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OS ANOS SESSENTA
Os anos 60 foi um momento de mudança social e ativismo político, por isso não é surpresa que as Rockettes abriram novos caminhos para as mulheres nos primeiros anos. Em uma saudação ao feminismo e à era espacial, as Rockettes dançaram como astronautas no Great Stage.
Os números de produção também refletiram uma incrível variedade de música, dança e figurino (depois da mania de biquínis que entrou no mundo da moda nos anos 60, as Rockettes levantaram seus tradicionais Battements e arrasaram!). Elas apareceram como gueixas, dançarinas de hula, lutadores de touro, chaminés e até bailarinas de can-can. Uma variedade de figurinos.

Em 1961, Eastman Kodak, criou um mural colorido com as Rockettes. Era o maior mural do tipo já fabricado e pendurado no Grand Central Terminal da cidade de Nova York.

Enquanto o Radio City era um local popular para que os cineastas estreasse um filme, não era incomum que as estrelas aparecerem antes da exibição. Em 1962, ninguém além de Cary Grant surpreendeu as Rockettes quando veio promover seu novo filme, That Touch of Mink.

Uma das mais impressionantes produções da história do Radio City aconteceu com uma saudação para a Walt Disney. As seções da famosa Main Street, Frontierland, Tomorrowland e Fantasyland do parque temático foram recriadas no Great Stage, tudo sob a supervisão pessoal do próprio Walt Disney.

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OS ANOS SETENTA
A administração do Radio City começou a fechar o teatro por semanas, deixando as Rockettes com tempo livre demais. A trupe pediu o direito de levar o show pra estrada quando o Radio City estava fechado para as apresentações. Em 1977, as Rockettes apareceram em Harrah’s em Lake Tahoe, Nevada. Sua dança de precisão levou a costa oeste pela tempestade enquanto elas dançavam para as multidões em Las Vegas. (Elas até abriram para Liberace no Las Vegas Hilton em 1979!).
Em 1978, o Radio City fechou devido a problemas financeiros. As Rockettes lideram a cruzada para salvar o teatro. Em 1979, Radio City foi designado como um marco da cidade de Nova York, salvando-o da bola de demolição. O formato de filme e palco permaneceu como uma assinatura do Radio City até 1979, quando a exibição em massa de novos filmes exigia um foco diferente.

A década terminou com uma maravilhosa nota positiva. As Rockettes estrelaram com a atriz sueca-americana, cantora e dançarina Ann-Margret, em um especial de televisão de duas horas, A Holiday Tribute to Radio City Music Hall. (Ann-Margaret juntou-se aos Rockettes em seu emblemático número “Parade of the Wooden Soldiers”!).

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OS ANOS OITENTA
As Rockettes lideraram o movimento de fitness que varreu o país. As bailarinas eram indiscutivelmente as mulheres mais aptas da América. Radio City mudou-se para um novo formato: já não mostrava filmes, mas apresentava shows de palcos de 90 minutos. As Rockettes dançaram quatro ou cinco números em cada um deles, quatro vezes por dia, sete dias por semana, durante quatro semanas seguidas. Então, cada mulher tinha uma semana de folga.
Durante os anos 80, as Rockettes dançaram com Ginger Rogers em um show chamado The Rockettes Spectacular com Ginger Rogers e também trabalharam junto com Carol Lawrence e Liberace. Elas apareceram como elas no filme Annie, estrelaram o show de meio-campo do Super Bowl de 1988 e fizeram um comercial para a meia-calça L’Eggs, cantando e dançando em elogio de “um ótimo par de L’Eggs”.

Elas também seguiram a estrada e se apresentaram em Las Vegas e Lake Tahoe. Ali, Sammy Davis Jr., um grande admirador delas, assistiram a shows noturnos. Em sua noite de encerramento, sem aviso prévio, ele saiu no palco e juntou-se à linha (a ex-Rockette Leslie falava que ele é um dos homens mais doces que conheceu!).

Para comemorar o 50º aniversário da Radio City em 1982, o produtor e coreógrafo Bob Jani apresentou um show pródigo com 50 anos de figurinos Rockettes. Outro evento memorável de todos os anos 80 foi uma série de três especiais de televisão em homenagem ao centenário do Fundo de Atores da América. Foi chamado de “The Night of 100 Stars”, mas na verdade participaram mais de 200 dos artistas mais famosos do mundo; Se você fosse uma estrela de palco, tela ou televisão, você estava lá. E tudo ocorreu no Radio City, então, claro, as Rockettes receberam o público, dançaram o grande número de abertura e até conseguiram compartilhar o palco com talentos como Dick Van Dyke, Lara Turner, Grace Kelly e Muhammad Ali.

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OS ANOS NOVENTA
Os Rockettes continuaram a apresentar o seu Christmas Spectacular e Easter Extravaganza sempre popular. Os coreógrafos e designers criaram novas coreografias e novos figurinos para eles, mas o histórico Radio City Music Hall estava começando a mostrar sua idade. A empresa-mãe da Radio City, decidiu que o maior teatro do mundo precisava da maior restauração do mundo. Para restaurar a Radio City para a sua antiga glória, para recuperar a magnificência que fez as pessoas engasgarem quando entraram naquela noite de abertura em 1932.
Cada pedaço de folha de ouro foi pintado. Todos os 6.200 assentos foram recuperados. Na verdade, agora havia exatamente 269 assentos a menos. A empresa havia examinado as linhas de visão e ordenado que os bancos fossem removidos porque não tinham uma visão adequada do palco. Eles aprovaram a compra de uma enorme tela LED de 50.000 libras, que pode ser levantada e abaixada. É o maior do seu tipo no mundo. As projeções da tela possibilitam todos os tipos de paisagem e levam o público para viagens mágicas.

Outra inovação foi o sistema de som. O Radio City não estava convencida de que o público estava ouvindo os sons do sapateado pré-gravados das Rockettes. Eles queriam o som ao vivo. A empresa não se contentaria com os bailarinos usando microfones com fio presos no cinto; Eles eram muito volumosos e dificultariam as mudanças de roupas. Então, eles desafiaram os melhores engenheiros a encontrar uma solução. Hoje, quando as Rockettes estão fazendo um número de sapateado durante o Christmas Spectacular ou New York Spectacular, eles usam sapatos de dança personalizados que têm uma cavidade especial dentro do calcanhar para um transmissor de som, então o que o público ouve é o som real de 72 pés .

Quando as Rockettes apareceram no Christmas Spectacular no recém-reaberto Radio City em 1999, um dos novos números apresentou Papai Noel e sua oficina. Greg Barnes, o designer premiado no Tony que é conhecido por seus figurinos para Follies, Flower Drum Song e o renascimento de Bye Bye Birdie, criou muitos figurinos para as Rockettes, mas talvez sua ideia mais memorável fosse vesti-las como renas completas com Chifres. Em todas as apresentações, quando cavalgavam no palco puxando o trenó de Santa, foi um sucesso e o Radio City veio a baixo.

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OS ANOS DOIS MIL
Radio City Music Hall marcou o 75º Aniversário das Rockettes, com mais de 10 mil mulheres compartilhando o legado atuando como Radio City Rockette.
Em 2001, os Rockettes foram convidados a atuar no 43º presidente da inauguração dos Estados Unidos George W. Bush em Washington D.C., onde eles derrubaram os degraus do Lincoln Memorial. Em 2005, as Rockettes realizaram sua segunda inauguração presidencial.

Linda Haberman tornou-se a primeira mulher chamada de diretora solo e coreógrafa dos Rockettes em 2006. Treinada na Escola de Ballet Americano, Haberman estava no elenco original do Dancin de Bob Fosse, então se tornou sua coreógrafa assistente. Sua visão para as Rockettes era transformá-las em uma empresa de dança contemporânea. A incrível coreografia de Haberman trouxe a trupe para novas alturas e exigiu uma técnica de dança soberba, bem como um verdadeiro atletismo.

No cenário do Radio City, suas produções combinaram dança com a tecnologia inovadora e pediram que as Rockettes interagissem com os efeitos 3D. Para o número “Nova York no Natal”, Haberman colocou as Rockettes em um ônibus de dois andares, aqueles de turismo que vemos passear pelas ruas de NY, que se sincronizou com as imagens da cidade projetadas na tela LED de 90 pés.

Haberman criou as primeiras produções de turismo do Christmas Spectacular, que visitaram mais de 80 cidades nos Estados Unidos. A turnê terminou após a temporada 2014, à medida que novas abordagens foram exploradas para melhor mostrar o show com tema natalino.

Esta década viu um importante novo programa de educação de dança das Rockettes: The Rockettes Summer Intensive, que oferece a aspirantes bailarinos profissionais a oportunidade única de treinar com as Rockettes e aprender sua técnica de dança de precisão mundialmente famosa. Mais de mil jovens bailarinas de todo o país fazem uma audição a cada ano. Aqueles que são aceitos passam uma semana em Nova York, onde ensaiam e aprendem as disciplinas das Rockettes e suas coreografias. Até à data, mais de 60 Rockettes vieram desse programa de treinamento.

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OS ANOS DOIS MIL E DEZ
Desde a década de 1990, as Rockettes só apresentavam no Radio City Music Hall de novembro a janeiro no Christmas Spectacular. No entanto, isso mudou na primavera de 2015, quando as Rockettes estrelaram uma nova produção de oito semanas, The New York Spring Spectacular, juntamente com a Prêmio Tony Laura Benanti e Dancing with the Stars ‘Derek Hough.
Em junho de 2016, as Rockettes se apresentaram na Great Stage para celebrar a cidade de Nova York com o The New York Spectacular. Centrado em torno da viagem de uma vida para dois filhos, que, em férias em Nova York, estão separados de seus pais, a cidade ganhou vida para mostrar-lhes muitas maravilhas esplêndidas.

As Rockettes fizeram mais sucesso do que nunca. Elas se apresentaram no Great Stage com Oprah, Heidi Klum, Michael Bublé e fizeram numerosas aparições em The HOUSE Show, The Chew, The Late Show com Stephen Colbert, Project Runway (uma fantasia foi projetada durante um episódio especial com fatos de Rockettes Pelo finalista Christopher Palu!) E America’s Got Talent (2013, 2014 e 2015!).

Desde o momento em que apareceram pela primeira vez em 1925, as Rockettes foram ícones americanos. Elas são símbolos do que você pode alcançar se você se move com paixão, sonha grande, trabalhe duro e, o mais importante, acredite em si mesmo.

 

 

 

Notícias do Dicas – Musicais em cartaz – BR

Notícias do Dicas – Musicais em cartaz – BR

lembro todo dia de você

LEMBRO TODO DIA DE VOCÊ
Com canções originais que passeiam por gêneros como pop, bolero e disco music, o musical discute o preconceito com portadores do vírus HIV. Após confirmar que é soropositivo, um rapaz inicia uma jornada de autoconhecimento, relembrando situações como o abandono paterno e a descoberta da sexualidade.
Local: CCBB (Centro Cultural Banco do Brasil)
Horários: Quinta a sábado, 20h / Domingo, 19h (até 26 de junho)
Ingressos: R$ 20 (Bilheteria: Rua Álvares Penteado, 112 / quarta à segunda, 19h às 21h)

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ALEGRIA ALEGRIA
Os 50 anos da Tropicália são celebrados neste musical conduzido por Zélia Duncan, que divide o palco com 15 atores. A história é contada por meio de canções de Caetano Veloso e de composições de nomes como Gilberto Gil, Roberto Carlos e Luiz Gonzaga.
Local: Teatro Santander
Horários: Quinta e sexta, 21h / Sábado, 18h / Domingo, 21h (até 9 de julho)
Ingressos: R$ 50 a R$ 250 (clique aqui para comprar)

 

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A ERA DO ROCK
Chega ao Teatro Porto Seguro a comédia musical da Broadway “A Era do Rock”. A história se passa em Los Angeles, no ano de 1987, e é narrada por Lonny , gerente da casa de shows Bourbon Room. É nesse cenário que os protagonistas Drew e Sherrie criam um vínculo e juntos tentam alcançar a fama em Hollywood. Na trilha sonora, clássicos dos anos 1980 – Twisted Sister, Whitesnake, Europe, Foreigner, Poison, Extreme e muito mais!
Local: Teatro Porto Seguro
Horários: Sextas, às 21h / Sábados, às 17h e às 21h / Domingos, às 17h (até 30 de julho)
Ingressos: R$ 60 a R$ 120 (clique aqui para comprar)

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LILI MARLENE
Lili Marlene é um musical pop rock que conta a história do Lili. O neto de uma atriz hollywoodiana que foge de sua casa em Berlim aos 13 anos de idade. Aos 18, ele fazia shows dublando sua avó sem que ninguém soubesse do seu parentesco em Paris, aos 30 se tornou sacerdote de uma religião. Anos mais tarde, já afastado da igreja ele faz um relato de sua saga.
Local: Teatro Eva Herz
Horários: Terças e quartas, às 21h (até 28 de junho)
Ingressos: R$ 60 (clique aqui para comprar)

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LES MISÉRABLES
Após 16 anos, o musical baseado na obra homônima de Victor Hugo, volta a São Paulo. O espetáculo segue os moldes da versão mais recente da peça, lançada em 2010 em Londres. Traduzida traduzido para 22 línguas, a história já foi vista por mais de 70 milhões de pessoas em 44 países.
Local: Teatro Renault
Horários: Quintas e sextas, às 21h / Sábados, às 16h e às 21h / Domingos, às 15h e às 20h (até 30 de julho)
Ingressos: R$ 50 a R$ 330 (clique aqui para comprar)

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60! DÉCADA DE ARROMBA – Doc. Musical
Depois de uma estreia que conquistou o público e a crítica no Rio de Janeiro, o Theatro NET São Paulo recebe “60! Década de Arromba – Doc. Musical”. Representante maior da Jovem Guarda, a cantora Wanderléa é a cereja do bolo do espetáculo, que utiliza fotos, vídeos e depoimentos somados a textos e canções apresentados por 24 cantores/atores/bailarinos para contar a história da década de 1960.
Local: Theatro NET São Paulo
Horários: Quintas e sextas, às 20h30 / Sábados, às 17h e às 21h / Domingos, às 17h (até 11 de junho)
Ingressos: R$ 20 a R$ 70 (clique aqui para comprar)

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O HOMEM DE LA MANCHA
O premiado musical da Broadway ganha adaptação brasileira pelas mãos de Miguel Fabella, que apresenta o espetáculo no Teatro Alfa até o dia 28 de maio. A história se passa em manicômio brasileiro no final dos anos 1930, e conta com orquestra formada por 16 músicos e 30 atores no elenco, além de diversos performers que completam a mega produção.
Local: Teatro Alfa
Horários: Quintas, às 21h / Sextas, às 21h30 / Sábados, às 17h e às 21h / Domingo, às 17h (até 28 de maio)
Ingressos: R$ 50 a R$ 190 (clique aqui para comprar)

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O SENHOR DAS MOSCAS
Após a queda do avião que transportava crianças inglesas para longe da guerra, os meninos de um colégio interno ficam presos em uma ilha deserta. Ali, sem a supervisão de adultos, eles ficam sob suas lideranças: a de Ralph, que deseja voltar para a civilização, e de Jack, que quer romper seus laços com o mundo moderno. A história é baseada no livro homônimo do escritor inglês William Golding.
Local: Sesi Avenida Paulista
Horários: Qui.: 15h às 16h30, Sex.: 15h às 16h30, Sab.: 15h às 16h30 e Dom.: 14h30 às 16h
Ingressos: Grátis

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FOREVER YOUNG
A comédia conta a história de seis grandes atores que representam a si mesmos no futuro, quase centenários. Eles mostram que, por meio da música, continuam aproveitando a vida. No repertório, estão sucessos do rock e do pop das décadas de 1950 a 1990, como “Smells Like Teen Spirit” (Nirvana) e “I Will Survive” (Gloria Gaynor). Do lado nacional, tem clássicos como “Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás” (Raul Seixas) e “Do Leme ao Pontal” (Tim Maia).
LOCAL: Teatro Raul Cortez
HORÁRIOS: Sex.: 21h30 às 23h10, Sab.: 21h às 22h40 e Dom.: 15h às 16h40, 18h às 19h40

Especial NYC – Uma semana para o grande Tony 2017: as grandes estrelas dominam as indicações

Especial NYC – Uma semana para o grande Tony 2017: as grandes estrelas dominam as indicações

Dia 11 de junho de 2017, às 21h no horário de Brasília, acontece em NYC no Radio City Music Hall a premiação que é considerada o Oscar dos musicais da Broadway, o Tony Awards. Nos indicados Tony deste ano, um “Comet, um “Groundhog”, viajantes desembarcados e adolescentes alienados vão competir para melhor musical.

Jane Krakowski,Christopher Jackson

Jane Krakowski e Christopher Jackson anunciaram as indicações para os prêmios Tony de 2017, numa lista que era previsível de algumas maneiras, surgiram tumultos e surpreendentes em outros, alguns novos musicais foram ignorados.

“Come from away”, “Dear Evan Hansen”,” Groundhog Day” e “Natasha, Pierre & the Great Comet de 1812” dominaram as indicações para o melhor musical.

O Tonys tem a opção de oferecer cinco indicações, mas isso não aconteceu para alguns produtores muito mal-humorados. Eles também provavelmente foram mal-humorados com apenas três indicações para o melhor revival de um musical: Falsettos, Hello, Dolly! E Miss Saigon. (“Sunday in the Park with George” saiu de competição).

The Great Comet
The Great Comet – recorde de indicações em 2017

“The Great Comet” é maravilhoso e extremamente inovador, mas um musical compacto, lindamente emotivo, como “Dear Evan Hansen”  uma peça animada, bem como a cultura pop, como o “Groundhog Day”, podem ser melhores com a multidão. A corrida entre o Ben Platt de “Dear Evan Hansen” e o Andy Karl, do “Groundhog”, devem deixar poucas unhas em falta. Melhor peça é também uma categoria robusta, com indicações para “A Doll’s House”, “Part 2”, “Indecent”, “Oslo” e “Sweat”.

Muitos shows foram excluídos por completo, incluindo o Fiasco do “Cirque de Soleil Paramour” e “Oh, Hello on Broadway”, que estava mais perto de um evento de comédia do que uma peça tradicional, Tony não fez questão nenhuma de indicar. Também foi ignorado o “The Encounter”, que teve que se contentar com um prêmio especial e muito merecido para o design de som. “DOA revivals of The Cherry Orchard” e “Les Liaisons Dangereuses” também não foram divulgados, assim como os revivals “Cats” e “Sunset Boulevard”.

Mais surpreendentes foram “Amélie”, que estrelou a amiga de Hamilton Phillipa Soo e o “Significant Other” de Joshua Harmon, que apresentou uma performance enorme e nervosa de Gideon Glick. O show de mafia carregado de nostalgia “A Bronx Tale” e o musical A cappella “In Transit” foram igualmente evitados, assim como “Charlie and the Chocolate Factory”.

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VEJA A LISTA COMPLETA DOS INDICADOS:

 Melhor peça de teatro

“A Doll’s House, Part 2”
“Indecent”
“Oslo”
“Sweat”

Melhor musical

“Come From Away”
“Dear Evan Hansen”
“Groundhog Day The Musical”
“Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”

Melhor ator de teatro

Denis Arndt – “Heisenberg”
Chris Cooper – “A Doll’s House, Part 2”
Corey Hawkins – “Six Degrees of Separation”
Kevin Lline – “Present Laughter”
Jefferson Mays -“Oslo”

Melhor atriz de teatro

Cate Blanchett – “The Present”
Jennifer Ehle – “Oslo”
Sally Field – “The Glass Menagerie”
Laura Linney – “Little Foxes”
Laurie Metcalf – “A Doll’s House, Part 2”

Melhor ator de musical

Christian Borle – “Falsettos”
Josh Groban – “Natasha, Pierre & the Great Comet of 1812”
Andy Karl – “Groundhog Day”
David Hyde Pierce – “Hello Dolly!”
Ben Platt -“Dear Evan Hansen”

Melhor atriz de musical

Denee Benton – “Natasha, Pierre & the Great Comet of 1812”
Christine Ebersole – “War Paint”
Patti Lupone – “War Paint”
Bette Midler -“Hello Dolly!”
Eva Noblezada – “Miss Saigon”

Melhor ator coadjuvante de teatro

Michael Aronov – “Oslo”
Danny DeVito – “Arthur Miller’s The Price”
Nathan Lane – “The Front Page”
Richard Thomas – “Lillian Hellman’s The Little Foxes”
John Douglas Thompson – “August Wilson’s Jitney”

Melhor atriz coadjuvante de teatro

Johanna Day – “Sweat”
Jayne Houdyshell – “A Doll’s House, Part 2”
Cynthia Nixon – “Lillian Hellman’s The Little Foxes”
Condola Rashad -“A Doll’s House, Part 2”
Michelle Wilson – “Sweat”

Melhor ator coadjuvante de musical

Gavin Creel – “Hello Dolly!”
Mike Faist – “Dear Evan Hansen”
Andrew Rannells – “Falsettos”
Lucas Steele – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”
Brandon Uranowitz – “Falsettos”

Melhor atriz coadjuvante de musical

Kate Baldwin – “Hello Dolly!”
Stephanie J. Block – “Falsettos”
Jenn Colella – “Come From Away”
Rachel Bay Jones – “Dear Evan Hansen”
Mary Beth Peil – “Anastasia”

Melhor revival de teatro

“Present Laughter”
“August Wilson’s Jitney”
“Lilian Hellman’s The Little Foxes”
“Six Degrees of Separation”

Melhor revival de musical

“Falsettos”
“Hello, Dolly!”
“Miss Saigon”

Melhor diretor de teatro

Sam Gold – “A Doll’s House, Part 2”
Ruben Santiago-Hudson – “August Wilson’s Jitney”
Bartlett Sher – “Oslo”
Daniel Sullivan -“Lillian Hellman’s Little Foxes”
Rebecca Taichman – “Indecent”

Melhor diretor de musical

Christopher Ashley – “Come From Away”
Rachel Chavkin – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”
Michael Greif – “Dear Evan Hansen”
Matthew Warchus – “Groundhog Day”
Jerry Zaks – “Hello Dolly!”

Melhor coreografia

Andy Blankenbuehler – “Bandstand”
Peter Darling e Ellen Kane – “Groundhog Day”
Kelly Devine – “Come From Away”
Denis Jones – “Holiday Inn, The New Irving Berlin Musical”
Sam Pinkleton – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”

Melhor arranjo

Bill Elliott e Greg Anthony – “Rassen, Bandstand”
Larry Hochman – “Hello, Dolly!”
Alex Lacamoire – “Dear Evan Hansen”
Dave Malloy – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”

Melhor libreto de musical

“Come From Away” – Irene Sankoff e David Hein
“Dear Evan Hansen” – Steven Levenson
“Groundhog Day The Musical” – Danny Rubin
“Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812” – Dave Malloy

Melhor trilha sonora original

“Come From Away” – Irene Sankoff e David Hein
“Dear Evan Hansen” – Benj Pasek e Justin Paul
“Groundhog Day The Musical” – Tim Minchin
“Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812” – Dave Malloy

Melhor design cênico de teatro

David Gallo – “August Wilson’s Jitney”
Nigel Hook – “The Play That Goes Wrong”
Douglas W. Schmidt – “The Front Page”
Michael Yeargan – “Oslo”

Melhor design cênico em musical

Rob Howell – “Groundhog Day”
David Korins – “War Paint”
Mimi Lien – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”
Santo Loquasto – “Hello Dolly!”

Melhor figurino de teatro

Jane Greenwood – “Lillian Hellman’s The Little Foxes”
Susan Hilferty – “Present Laughter”
Toni-Leslie James – “August Wilson’s Jitney”
David Zinn – “A Doll’s House, Part 2”

Melhor figurino de musical

Linda Cho – “Anastasia”
Santo Loquasto – “Hello Dolly!”
Paloma Young – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”
Catherine Zuber -“War Paint”

Melhor iluminação de teatro

Christopher Akerlind – “Indecent”
Jane Cox – “August Wilson’s Jitney”
Donald Holder – “Oslo”
Jennifer Tipton – “A Doll’s House, Part 2”

Melhor iluminação de musical

Howell Binkley – “Come From Away”
Natasha Katz – “Hello, Dolly!”
Bradley King – “Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812”
Japhy Weideman – “Dear Evan Hansen”

PRÊMIOS ESPECIAIS

Premio especial por melhor conjunto da obra em teatro

James Earl Jones

Tony Award especial

Gareth Fry and Pete Malkin, design sonoro para “The Encounter”

Teatro regional Tony Award

Dallas Theater Center em Dallas, Texas

Isabelle Stevenson Tony Award

Baayork Lee

Tony Honors para excelência em teatro

Nina Lannan e Alan Wasser

NYC – A origem do Tony Awards

NYC – A origem do Tony Awards

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Antoinette Perry 

O Original “Tony”

O Tony Award da American Theater Wing começou em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência do teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, o Tony Award fez sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e houve oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patricia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Aos 15 anos, ela se juntou à companhia de turismo de seu tio George Wessells. “Eu assisti e aprendi. Eu fiz tudo, desde ajudar no guarda-roupa até a venda de bilhetes. Eu era pequena e loira e logo estava me jogando em melodramas e farsas. Finalmente, tio George me treinou, principalmente nos papéis masculinos shakespearianos.”

Ela deixou a empresa Wessels em 1905 em Chicago, onde ela fez o teste para a parte que a trouxe para Nova York. Foi lançada quase imediatamente para juntar-se ao mestre da música, um melodrama sobre um maestro vienense na América que procurara por sua filha. Perry desempenhou o papel feminino principal em frente David Warfield, um dos atores mais populares do teatro.

Warfield tinha grande admiração por Miss Perry e eles se tornaram amigos. Ele foi associado com o empresário David Belasco e organizado para Miss Perry para audição para ele. Em outubro de 1907, Miss Perry foi escolhida como líder de Warfield em Belacso, A Grand Army Man, em seu novo Teatro Styvestant (agora Belasco).

Logo, outro homem estava na vida de Antoinette Perry. Frank Frueauff, um velho namorado de casa que fundiu a Denver Gas and Electric, do qual era vice-presidente, com o Serviço de Cidades (agora CITGO). Eles ficaram loucamente apaixonados e, no auge de sua carreira de atriz de Nova York, Miss Perry casou-se com Frueauff.

Em 1920, abordado por Brock Pemberton, um agente de imprensa extravagante virou produtora, Miss Perry, sem o conhecimento de Frueauff, tornou-se um “anjo” na produção de Pemberton da comédia da Zona Gale, Miss Lulu Bett. Ele passou a ganhar o Prêmio Pulitzer e se tornar um grande sucesso. Logo Miss Perry era o parceiro silencioso de Pemberton. Quando seu marido descobriu que sua esposa investiu no teatro e tinha feito isso, deu suas bênçãos. Então, em 1922, ele morreu de um ataque cardíaco. Ele deixou uma propriedade de US $ 13 milhões.

“Mãe generosamente emprestou o dinheiro”, filha Margaret Perry, 89 e uma atriz que há muito tempo desistiu de teatro, disse a partir de sua fazenda selvagem no Colorado”. Ela apreciou a vida extravagante. De 1923, ela nos levou, nossa governanta, o tio Brock, como fomos instruídos a chamá-lo, e sua esposa Margaret, e dez outros para a Europa por sete semanas.

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Nasce um diretor

Ela entrou em uma grande depressão e se tornou um ávido leitor. Inspirada pela atriz / dramaturga Rachel Crothers, que dirigiu suas próprias peças, Perry decidiu que queria dirigir. Sua riqueza, que ela dobrou jogando no mercado de ações, e seu relacionamento com Pemberton foram sua entrada. Juntaram forças, tanto profissionalmente quanto romanticamente, e tiveram sucessos modestos. Em 1929, eles atingiram fama com Strictly Dishonorable Preston Sturges, um jogo cínico sobre a virtude e proibição. Um crítico elogiou Perry “por fazer o trabalho de um homem” como diretor. Scalpers tem US$ 30 um bilhete. Os direitos de filmes foram vendidos. Eles estavam a caminho da rua fácil.

Um mês depois, o mercado de ações caiu.

“Mãe despertou dois milhões de dólares em dívidas”, lembrou Margaret. “Levou sete anos para se recuperar.” De alguma forma, provavelmente por causa do sucesso de Strictly Dishonorable, ela conseguiu um empréstimo de dois milhões de dólares. ”

Perry e Pemberton compartilhavam um escritório íntimo em um teatro (era ao lado do Imperial, onde há um estacionamento hoje), e almoçavam diariamente em Sardi, onde abasteciam muitas fofocas teatrais. No entanto, no final do seu dia útil, ela iria para casa para seus filhos e ele para sua esposa.

 

Antoinette Perry: filantrópica

Apesar de suas credenciais teatrais, Perry é melhor lembrada por sua generosidade e liderança na Segunda Guerra Mundial como uma co-fundadora da Ala de Teatro Aliado Alívio, posteriormente, o American Theater Wing.

A Ala operou a famosa “Stage Door Canteen” no porão do (agora arrasado) 44th Street Theatre, onde as estrelas trabalhavam como máquinas de lavar louça, garçons, garçonetes e animadores para as forças armadas. A venda de direitos de filme para uma história sobre a cantina, e um teste de seis dígitos de Perry, juntamente com o apoio de Rodgers e Hammerstein, desde USO passeios de shows para tropas no exterior.

Margaret confessou que sua mãe era uma jogadora inveterada. Perry também foi presidente do Teatro Experimental Nacional e financiou, com Actors Equity e Guild Dramatists, o trabalho de novos dramaturgos. Durante e depois da guerra, ela subscreveu audições para 7.000 esperançosos. Seu sonho de uma escola de ator nacional foi realizado em 1946.

“A mãe desenvolveu problemas cardíacos”, explicou Margaret, “mas, como cristã devotada, ela se recusou a consultar um médico, e seus deveres de diretora e dedicação ao trabalho da Ala tiveram um preço terrível”. Por agora, por causa de seus enormes sucessos, Pemberton era um membro da sociedade do café e, por causa da sociedade do seu irmão na mesa redonda de Algonquin, nos melhores termos com sociedade literária. “Mas,” observou Margaret, “de onde quer que ele estivesse, chamava Mãe todas as noites. Muitas vezes seus telefonemas eram a única coisa que aliviava sua intensa dor física.”

NYC – A história do TONY AWARDS

NYC – A história do TONY AWARDS

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Um prêmio pela excelência

Os Tony Awards do American Theater Wing começaram em 1947 quando a Wing estabeleceu um programa de premiação para celebrar a excelência no teatro.

Nomeada para Antoinette Perry, atriz, diretora, produtora e líder dinâmico da American Theater Wing, que faleceu recentemente, os Tony Awards fizeram sua estreia oficial em um jantar no Grand Ballroom do hotel Waldorf Astoria no Domingo de Páscoa , 6 de abril de 1947. Vera Allen, sucessora de Perry como presidente da Ala, presidiu uma noite que incluiu jantar, dança e um programa de entretenimento. O código de vestimenta era gravata preta opcional, e os artistas que levaram ao palco incluíram Mickey Rooney, Herb Shriner, Ethel Waters e David Wayne. Onze Tonys foram apresentados em sete categorias, e oito prêmios especiais, incluindo um para Vincent Sardi, proprietário do restaurante Eponymous na West 44th Street. Os grandes vencedores naquela noite incluíram José Ferrer, Arthur Miller, Helen Hayes, Ingrid Bergman, Patrícia Neal, Elia Kazan e Agnes de Mille.

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Diane Carroll, Robert Morse, Margaret Leighton e Paul Scofield foram os vencedores no 1962 Tony Awards.

Os primeiros anos

A comunidade da Broadway abraçou o Tony desde o início. A cerimônia de premiação em seus primeiros anos foi menor do que é hoje, o jantar de gala anual rapidamente se tornou um dos destaques da temporada de teatro de Nova York. Mais de 1.000 pessoas participaram do primeiro jantar Tony em 1947.

Nos 18 anos que se seguiram, as apresentações de jantar e prêmios Tony ocorreram em salões de festas de hotéis como Plaza, Waldorf Astoria e Astor. A WOR e a Rede Mutual transmitiram as cerimônias de premiação pelo rádio, e a cobertura televisiva começou em 1956, quando o Canal 5 do Du Mont os transmitiu pela primeira vez localmente.

O entretenimento foi fornecido por tais favoritos da Broadway e talentosos então recém-chegados como Katherine Cornell, Guthrie McClintic, Ralph Bellamy, Joan Crawford, Alfred de Liagre, Jr., Gilbert Miller, Shirley Booth, Carol Channing, Joan Fontaine, Paul Newman, Anne Bancroft, Sidney Poitier, Fredric March, Robert Goulet, Gig Young, Anna Maria Alberghetti, Henry Fonda e muitos outros.

Apesar da morte prematura de Helen Menken, então presidente da Wing, os Tony Awards de 1966 foram apresentados no Rainbow Room. A cerimônia foi subjugada e, pela primeira e única vez, realizada à tarde sem entretenimento. No ano seguinte, a cerimônia de Tony foi mais uma vez um caso de gala, mas com uma diferença fundamental. Com Isabelle Stevenson como seu novo presidente, a Ala convidou a Broadway League – então conhecida como a Liga dos Teatros de Nova York – para co-apresentar o Tonys em 1967, apenas a tempo para a cerimônia de transmissão inaugural na rede de televisão. Pela primeira vez, um público nacional poderia assistir à apresentação dos Tony Awards.

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Julie Andrews

A era da televisão 

Alexander H. Cohen produziu a transmissão histórica, que durou apenas uma hora, e organizou uma gala de comemoração que se seguiu imediatamente depois.

Naquele ano, os Tonys mudaram-se de seu tradicional salão de baile do hotel para um teatro da Broadway – o Shubert. Cohen continuou a produzir a cerimônia de premiação e o jantar de gala para as próximas duas décadas, supervisionando sua transmissão nacional em várias redes em nome da Liga e da Ala. Durante seu mandato, o Tony tornou-se conhecido como o melhor programa de prêmios na televisão, incorporando performances ao vivo com a concessão de prêmios reais. A era de Cohen terminou em 1987, e esse ano a WING e a liga criaram as produções do prêmio de Tony, uma empresa comum que continuasse a produzir os prêmios e seus eventos relacionados a este dia.

CBS começou a levar a cerimônia de premiação em 1978, e tem transmitido o Tony nacionalmente a cada ano desde então. Por seis anos, começando com a 51ª apresentação anual de prêmios em 1997, o programa de Prêmios Tony foi exibido sob uma parceria única entre a CBS e a PBS.

Um especial de uma hora PBS cobriu 10 prêmios, seguido imediatamente pela transmissão CBS. No entanto, a partir de 2003, a CBS dedicou um tempo inteiro de três horas para o Tony. O resultado foi um prêmio sem costura e programa de entretenimento transmitido naquela rede. O programa Tony recebeu vários prêmios Emmy durante a era da CBS, e é transmitido em junho em muitos países do mundo.

Os Tonys comemoraram um marco em 1997, quando a cerimônia de premiação se afastou da Broadway pela primeira vez em três décadas. Para todos menos um dos anos entre 1997 e 2010, a noite de Tony ocorreu em junho no Radio City Music Hall de Nova York. Desde 2011, a cerimônia tem sido realizada tanto na Radio City ou no Beacon Theatre, no Upper West Side de Manhattan.

Em 2000, a IBM se juntou com o Tony para lançar TonyAwards.com, um site que imediatamente se tornou o recurso definitivo para obter informações sobre os prêmios. O site serve como uma casa durante todo o ano para o Tony na Internet, e ancora uma presença de mídia social on-line que inclui Facebook, Twitter, Instagram, YouTube, Snapchat e outras plataformas.

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O Medalhão

Durante os dois primeiros anos do Tony (1947 e 1948), não houve um Tony Award oficial. Os vencedores foram apresentados com um pergaminho e, além disso, recebiam presentes.

Em 1949, o sindicato de designers, United Scenic Artists, patrocinou um concurso para um modelo adequado para o prêmio. A peça vencedora, um medalhão em forma de disco desenhado por Herman Rosse, retratou as máscaras de comédia e tragédia de um lado e o perfil de Antoinette Perry do outro. O medalhão foi iniciado naquele ano no terceiro jantar anual. E continua a ser o Tony Award oficial.

Desde 1967 o medalhão foi montado em um pedestal preto com uma armadura curvada. Após a cerimônia, cada prêmio é numerado para fins de rastreamento e gravado com o nome do vencedor.

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

A história do Tap Dance – Sapateado Americano

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TAP DANCE É VIDA! TAP DANCE É PRA TODOS!

Tap Dance é um estilo divertido de dança que qualquer pessoa pode aprender, independentemente da experiência anterior em dança. Sapateado é benéfico de muitas maneiras. Incluem o aumento cardiovascular condicionado, força, flexibilidade e coordenação. O Tap Dance fortalece pernas e pés, além de aumentar a flexibilidade nos quadris, joelhos e tornozelos. Habilidades cognitivas são também reforçadas, como tap dancers deve desenvolver tanto a memória mental quanto a muscular.

Sapateado também desenvolve um grande senso de ritmo, de tempo, agilidade e concentração. Podemos sapatear em muitos ritmos, usando de músicas clássicas até as mais atuais. Ou ás vezes nem precisamos da música, com nosso instrumento nos pés criamos nossa própria melodia.

E além de tudo isso… Diversão na certa!

 

HISTÓRIA DO TAP DANCE

Muito se fala sobre a história do sapateado, mas sua origem causa alguns desencontros, justamente por parecer ter originado de vários lugares.

A hipótese mais provável nos leva ao século V – e que foi na Irlanda, onde os camponeses que usavam sapatos com solado de madeira para aquecer os pés, começaram a brincar com os sons que esse sapato fazia. Criavam diversos ritmos, originando uma dança conhecida como Irish Jig. O Irish Jig exigia de seus dançarinos um rápido e complexo trabalho dos pés, com o braço próximo ao tronco.

Séculos mais tarde, na Inglaterra, durante a Revolução Industrial, os operários usavam sapatos de madeira. Nos intervalos do trabalho, estes operários desafiavam uns aos outros com os sons produzidos pelo sapato, criando uma nova dança chamada de Lancashire Clog. Mais tarde estes tamancos foram substituídos por solados de couro com moedas de cobre fixadas na sola, para conseguir ganhar e impressionar mais no desafio produzindo maior som. Outra influência também muito forte veio das danças africanas, que eram feitas pelos escravos em suas poucas horas de lazer. Alguns senhores feudais admiravam essas danças que uniam o trabalho dos pés escravos para seu próprio entretenimento.

Em 1882, um artista menestrel chamado Thomas acresentou solas metálicas nos sapatos para produzir som de percussão aos seus movimentos rítmicos. Outros artistas gostaram da ideia e seguiram o exemplo. O Tap Dance espalhou-se rapidamente através de shows de vaudeville, mas ainda permaneceu como uma dança cômica de entretenimento.

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No início do século 20, o tap dancer negro Bill “Bojangles” Robinson deu um passo progressivo e marcante na tentativa de sair em turnê se mantendo como um artista solo. Esta foi uma jogada arriscada e rara, pq os afro-americanos não eram autorizadas a estar no palco junto com artistas brancos. Em resposta a esta barreira, Robinson consistentemente se apresentava como um servo no palco, então ele não estava realmente quebrando o protocolo.

As leis de proibição levaram ao desenvolvimento de clandestinos, onde afro-americanos poderiam encontrar emprego como dançarinos de tap dance, apresentando para públicos embriagados que eram predominantemente brancos. Mais pra frente Hollywood começou a fazer musicais para ajudar a nação com as dificuldades da guerra. Para fazer com que os musicais ficassem mais divertidos, o uso de acrobatas foram adicionados ao gênero para torn-a-lo mais ativo. Dançarinos começaram a incorporar coreografia sincronizada em seus atos e também para adicionar ao entretenimento um visual atraente. Esta combinação de elementos é o que à luz a forma mais moderna de tap dance, ou o Tap Dance Broadway.

Nos EUA, o Sapateado se deu pelos negros americanos, que se desafiavam com a dança acompanhada por ritmos sofisticados, com muitos movimentos de corpo e não apenas o trabalho dos pés, era uma dança exclusivamente masculina.

Entre os anos de 1909 e 1920, vários estilos musicais e de dança foram criados nos EUA, como o “FOX TROT” e o “TUKEY TROT” e com a chegada dos africanos e europeus na América do Norte, essa fusão de informações se uniu ao estilo musical americano que estava em alta, então começaram a surgir os sapatos com chapinhas de metal nas solas e a dança chamada então de SAPATEADO.

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O Sapateado Americano se consolidou realmente no início da década de 20, quando foi criado o espetáculo “Shuffle Along”, onde 16 bailarinas executavam a mesma coreografia dando origem ao chamado “Chorus Line” e revolucionando os palcos da Broadway.

Desde então, até meados dos anos 40, o sapateado proliferou como uma febre nos EUA, embora mas décadas de 50 e 60, tenha sumido do cenário cultural americano, devido à Segunda Guerra Mundial.

Na década de 70, o sapateado teve seu grande retorno aos palcos conquistando, anos mais tarde as telas do cinema, dando origem a era dos grandes musicais e tendo como protagonistas os grandes mestres: Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, Ann Muller, entre outros.